Gamereactor España

Crítica de la segunda temporada de Bronca (Beef) en Netflix

fredrik@gamereactor.es (Fredrik Malmquist) — Sat, 18 Apr 2026 10:00:00 +0200

No estaba nada claro que Beef (Bronca en Netflix España), creada por Lee Sung Jin, tuviera una segunda temporada tras la conclusión de la primera. Pero la serie de premios, tanto en los Globos de Oro como en los Primetime Emmy, allanó el camino para una secuela que, en última instancia, parecía inevitable. Al igual que series como Fargo y True Detective, Sung Jin y Netflix han optado por tratar las temporadas como antologías independientes sobre el mismo tema, conflictos o, de hecho, "reses". Con una banda sonora eléctrica de Finneas O'Connell y una exquisita fotografía de James Laxton, los espectadores nos vemos arrastrados una vez más a un drama absurdo, realzado por interpretaciones de primera clase.

En la nueva temporada, nos encontramos con un reparto totalmente nuevo en un tenso drama sentimental. Una joven pareja de la Generación Z que trabaja en un club de campo absurdamente exclusivo se ve arrastrada al matrimonio en ruinas de su jefe. Lo que empieza como una incómoda discusión se convierte rápidamente en un juego caracterizado por el poder, la manipulación y el ascenso social, en el que todos compiten por el favor de un despiadado milmillonario. Incluso ella, con su propio escándalo amenazando con destrozarlo todo.

Con el éxito de la primera temporada, Sung Jin se ha encontrado claramente en una posición completamente diferente. El director y guionista ha reunido un reparto impresionante, dando la impresión de que Netflix le ha dado esencialmente rienda suelta para trabajar con quien quiera. Admiraba la fotografía de James Laxton en Moonlight, de Barry Jenkins, así que lo contrató. Se quedó prendado de la canción "What Was I Made For" de Finneas O'Connell y su hermana Billie Eilish, ganadora de un Oscar, así que dejó que Finneas se encargara de la música.

Junto a las leyendas coreanas Youn Yuh-jung y Song Kang-ho, el reparto cuenta con nombres consagrados como Oscar Isaac y Carey Mulligan. Charles Melton y Cailee Spaeny interpretan a la pareja más joven de la serie; el primero es conocido por Glee y American Horror Story, y la segunda apareció en Alien: Romulus. Todos ofrecen interpretaciones absolutamente fantásticas que conmueven, provocan repulsión y, a veces, provocan risas entre tanta oscuridad.

Después de ver la temporada completa en cinco días, estoy totalmente impresionada. Más allá del conflicto central de la temporada entre la pareja joven (Austin y Ashley) y la mayor (Josh y Lindsay), también nos adentramos en las relaciones internas de las parejas, marcadas por los problemas de pareja y los defectos personales. Además, ambas parejas se enfrentan al despiadado propietario del club privado, que se enfrenta a sus propios problemas, cada vez más desagradables, que aborda con soluciones poco convencionales.

Se van desvelando capas y capas, a medida que detalles aparentemente triviales se contraponen a decisiones que alteran la vida, con consecuencias potencialmente desastrosas para todos los implicados. La serie se construye y construye hacia su inevitable clímax. Lee Sung Jin, junto con su equipo, consigue que todo resulte natural, creíble y, a veces, dolorosamente desgarrador. La ambición juvenil se enfrenta a los sueños rotos y a la codicia, todo ello en un conjunto cohesionado que bien podría allanar el camino para otra exitosa temporada de premios para todos los implicados. La segunda temporada de Bronca toma lo que la primera hizo bien y lo lleva hasta la línea de meta. Esto es un pleno al quince de manual.

Crítica de Embestida (Thrash)

peter@gamereactor.es (Peter Westberg) — Fri, 17 Apr 2026 09:00:00 +0200

Tommy Wirkola, podríamos considerarlo una leyenda en el género de terror, ¿no? No soy un gran fan de sus películas de la franquicia Zombis nazis, si bien es cierto que son bastante entretenidas. Hace unos pocos años, también nos trajo la ultraviolenta y extremadamente entretenida película I Onde Dafer ('El viaje', en español), protagonizada por Noomi Rapace, Askel Hennie y Atle Antonsen.

En esta película, ha cambiado la campiña noruega por huracanes y tiburones en una ciudad costera de California del Sur. Fui a verla sin ninguna expectativa, pero al mismo tiempo esperaba que fuese tan entretenida como suena. Me pirran las películas de tiburones, aunque pocas son memorables. Deep Blue Sea es estúpida y sangrienta, pero sigue estando genial, y no hay ni que mencionar Tiburón, un clásico. Y la verdad es que creo que Megalodón es entretenida si sabes lo que esperar, a un furioso Statham peleando contra un tiburón monstruoso. Es divertido, chicos.

Una rápida advertencia sobre la trama. Ya conocéis la esencia y no necesitáis más que un par de frases. En resumidas cuentas, cuando un huracán de categoría 5 deja devastada una ciudad costera, la marejada ciclónica trae consigo destrucción, caos y algo aún más terrorífico: tiburones furiosos.

Es fácil de comprender. No se trata de un retrato de la clase obrera, eso se perdió con la inundación. Embestida no se anda con rodeos, construye la trama y la tensión tal y como lo esperaríamos de una película de desastres. Creo que es bastante elegante y sale del paso con lo simple. Nos encontramos con chozas y calles inundadas. La animación de los tiburones es competente, no es la quinta maravilla, pero tampoco te molesta.

El diálogo y la actuación también entran dentro de lo que uno esperaría de este tipo de películas. No creo que se lleve ningún Oscar, pero tampoco será nominada a los Razzie. Todo el mundo hace su trabajo decentemente. Creo que esta frase resume Embestida bastante bien. Sabemos qué esperar y, si tenemos eso en cuenta, saldremos satisfechos. Es como una bolsa de chuches mixtas: quieres las que son de frambuesa y regaliz, pero de vez en cuando te encontrarás con alguna de naranja. No es lo mejor, pero funciona.

Algunas escenas están un poco más pulidas. Hay algún que otro par de ataques semi-decentes de tiburones, pero nada destaca mucho y tampoco hay nada que sorprenda. Es sangrienta, pero parece que se contiene un poco. Imagino que Wirkola, quien siempre se había permitido meter violencia a placer, se ha visto atado a la silla de director y editor. Hay una escena en la que uno de los personajes principales tenía que tirar en teoría «objetos que vibran» e inmediatamente pensé: "Seguro que a Wirkola le hubiese gustado poner un vibrador, pero Netflix no le dejó, por lo que un cepillo de dientes eléctrico tendrá que ser."

Siempre he tenido un punto débil por Djimon Hounsou, aunque no tiene suficiente tiempo en pantalla. A pesar de mis reservas y de que tenía que mantener mis expectativas bajas para no hacerme ilusiones con la próxima gran película de acción de tiburones (¿se podría considerar un género? Bueno, ahora lo es), me gusta Embestida. No ofrece nada realmente nuevo, no da miedo y tampoco es demasiado emocionante, pero es lo suficientemente entretenida como para poder relajarme y sentirme agradecido con poder tener, en pleno 2026, la posibilidad de ver en una noche de viernes cómo unos tiburones se dan un festín de carne.

Si pudiera pedir un deseo en voz alta, me encantaría ver algún tipo de crossover de esta película, Tiburón y Deep Blue Sea. Con efectos más sofisticados, más tensión y gore constante. También un LL Cool J al que le permitan decir algo guay del tipo "Te comiste mi pájaro".

Crítica de Undertone

magnus@gamereactor.es (Magnus Groth-Andersen) — Thu, 16 Apr 2026 17:00:00 +0200

Cuando mi encantadora novia y yo vemos películas de terror (y hemos visto innumerables juntos en los últimos 10 años), ella siempre se tapa los ojos con un edredón cuando la tensión es excesiva, mientras que yo siempre me tapo los oídos. No hay mucho pensamiento profundo detrás de ello, aparte del hecho de que mi instinto reconoció hace tiempo que me parecía una forma más inteligente de pinchar el globo del suspense, a través del cual las escenas de miedo se inflan hasta reventar.

Por lo tanto, es comprensible que A24, en colaboración con el director debutante Ian Tuason, haya realizado una película de terror en la que el paisaje sonoro ocupa un lugar muy destacado. Undertone se hizo con solo 500.000 dólares, y esto se debe en gran parte a que todos los mecanismos básicos de la película utilizan el sonido como punto central, al igual que en Paranormal Activity.

La premisa también está hecha a medida para este montaje. Evy, interpretada por Nina Kiri, está cuidando a su madre moribunda, a la que aparentemente no le queda mucho tiempo, pero en su hogar intensamente religioso no se siente precisamente a gusto, y pasa el tiempo grabando e investigando un podcast llamado "Undertone", que, al auténtico estilo de los crímenes reales, trata de espeluznantes archivos de audio y especula sobre si hay algo más entre el cielo y la tierra. El ambiente se vuelve inmediatamente más intenso cuando reciben 10 misteriosos archivos de audio, que forman la columna vertebral de la película, ya que los propios archivos se vuelven cada vez más extraños y Evy empieza a experimentar extraños sucesos en la tranquila casa de su madre.

Así es como se desarrolla Undertone, y aparte de la propia Evy y su madre (interpretada por Michèle Duque), no hay otros actores que aparezcan físicamente en esta película. Oímos la voz del copresentador de su podcast, Justin (interpretado por Adam DiMarco), y los misteriosos archivos de audio, pero Undertone es, al igual que Paranormal Activity, deliberadamente íntima, limitada, reducida a lo esencial. Sin embargo, a diferencia de Paranormal Activity, Tuason no se ciñe al marco del género de metraje encontrado, sino que está rodada de forma brillante, con bellos y sencillos planos, y una cámara que tiende a detenerse un poco más, un estilo tan frecuente entre los directores de terror más jóvenes, desde Damian McCarthy a Jordan Peele.

Undertone está muy bien montada, no cabe duda, e incluso está bien interpretada, sobre todo por Kiri, que sirve de fuerte ancla emocional en una película que realmente se sostiene o cae por su credibilidad. El propio diseño de sonido también está bien producido, con muchos graves y garra, y en conjunto forma un sólido marco narrativo en el que puede apoyarse el resto de la película.

Sin embargo, hay que decir que Undertone no es una película que se abra en el sentido convencional. Es en el llamado "espacio negativo" (los espacios vacíos, por así decirlo) donde surgen la inquietud y la tensión, y no tanto en forma de decorados visuales reales, ni siquiera hacia la conclusión de la película, ya que se mantiene fiel a su estrategia de "audio primero" y sólo se desvía de ella en contadas ocasiones.

Sin embargo, también se podría argumentar que algunas películas de terror menos satisfactorias sobreexponen sus elementos espeluznantes con demasiada rapidez y frecuencia, y ese no es el caso de Undertone. El resultado final muestra a un director que domina estas técnicas tan básicas, y aunque es un éxito según esos criterios, será interesante ver a Tuason disponer de algunos recursos más para construir escenarios con algunas "piezas móviles" más, por así decirlo.

Crítica de Buena suerte, pásalo bien, no mueras (Good Luck, Have Fun, Don't Die)

peter@gamereactor.es (Peter Westberg) — Wed, 15 Apr 2026 16:00:00 +0200

Fui a ver la última película de Gore Verbinski sin ninguna expectativa y sin haber visto ningún trailer. Todo lo que conocía era la portada con Sam Rockwell, que inmediatamente me recordó a las estrafalarias películas de Terry Gilliam.

Gore era muy activo a principios de los 2000s. Dirigió lo que considero un remake muy exitoso llamado The Ring (La señal, en España), que me aterrorizó de sobremanera en el cine. Después pasó a dirigir una franquicia muy muy famosa en la que Johnny Depp se tambaleaba haciendo de pirata en constante estado de ebriedad, que siempre se preguntaba por qué se quedaba sin ron. No creo que necesite decir el título, ¿verdad? También nos dio la comedia de Nic Cage, El hombre del tiempo, la aburrida La cura del bienestar y El llanero solitario (que fracasó, pero era bastante entretenida).

Haré un resumen rápido de la trama. Un hombre del futuro aparece en una cafetería de Los Ángeles para reclutar a comensales que no entienden lo que está pasando para que participen en una misión desesperada contra una IA malvada. Haciendo uso de tretas y amenazas, consigue juntar a un grupo diverso que se encuentra de repente en una carrera caótica en la que zombies y robots merodean en cada esquina en una batalla por la supervivencia de la humanidad.

Es difícil no compararla con la ganadora del Oscar Todo a la vez en todas partes. Si bien no nos arrastran a diferentes universos de la misma forma, se parece en una mezcla de estética, ritmo rápido e imprevisibilidad.

Lo malo es que... bueno, sé que esto es como decir palabrotas en misa, pero lo malo es que no me gusta demasiado Todo a la vez en todas partes. Me gusta que una película que llevaba tanto las de perder causara tanto descontento en los Oscars. Me encantan los actores, el atrevimiento, la estética y gran parte del humor, pero era muy caótica para mí y siempre pasaban muchas cosas a la vez, como el título dice. Daba la sensación de que la película la había creado un niño con muchos problemas de concentración que solo quería enseñar cosas nuevas.

Sufrí con Buena suerte, pásalo bien, no mueras casi de la misma forma; cada vez nos lanzaban cosas nuevas. Siempre me ha encantado Rockwell y aun así al principio era un poco escéptico. El inicio no ayudó, pero entonces la película siguió transcurriendo y tenía algunas escenas muy buenas. Nos regalan un montón de humor negro y el momento en el que casi se burlan de los tiroteos escolares es bastante arriesgado. Lo entiendo, es surrealista, pero me molesta.

En particular, aprecio las escenas entre Zazie Beetz y Michael Peña, que son bastante buenas. La película también presenta un tema más serio y profundo que creo que es importante mencionar: cómo usamos la inteligencia artificial y cómo esto nos afecta. No soy un profeta del Juicio Final que ve el inicio de Terminator 2: El juicio final en todas partes, pero usamos la IA para todo en todas partes, a pesar de que está rodeada de mucha incertidumbre. Por lo que me gusta el tema y funciona. No parece forzada, aunque creo que las películas sobre IAs fuera de control comienzan a dar la sensación de estar siendo usadas... en exceso. Habiendo dicho esto y desafortunadamente desde mi perspectiva, algunas escenas inspiradoras, emocionantes y sutiles, un apartado visual estilizado y unos actores con talento no lo compensan. Sigue siendo demasiado inconexa, por lo que no consigue que su trama y personajes me importen mucho.

Esta película podría beneficiarse de haber tenido quince minutos menos y de algunas modificaciones del guion Hay cosas que valen la pena, incluso entre el caos de cortes rápidos y acontecimientos inesperados y. ¿sabes qué? Me hubiese encantado haber visto algunos zombies-móvil más en pantalla.

Crítica de la primera temporada de Margo tiene problemas de dinero en Apple TV

ben@gamereactor.es (Ben Lyons) — Wed, 15 Apr 2026 09:05:16 +0200

Elle Fanning, Michelle Pfeiffer, Nick Offerman y Nicole Kidman protagonizan una serie escrita para televisión por David E. Kelley, de Big Little Lies y Presunto Inocente. Sobre el papel, Margo's Got Money Troubles (Margo tiene problemas de dinero, en Apple TV España) parece un éxito seguro, sobre todo si añadimos a esta ecuación el pedigrí de los programas que solemos obtener de Apple TV. Sin embargo, hay algo en esta serie que no acaba de conectar conmigo.

La premisa de 'Margo tiene problemas de dinero' es bastante sencilla: seguimos a una joven que, tras dar a luz a su primer hijo, se da cuenta de que la vida dista mucho de ser un camino de rosas. Los empresarios no pueden arriesgarse con personal no disponible, la educación superior no ofrece las mismas oportunidades a quienes tienen bebés a su cargo y, a pesar de todo, hay que pagar las facturas. Así pues, Margo recurre a OnlyFans y explora el mundo del entretenimiento para adultos para llegar a fin de mes, una decisión que le acarrea todo tipo de problemas adicionales con su propia familia y la del padre ausente del niño.

Planteada así, Margo tiene problemas de dinero no parece una serie muy "divertida", lo que en parte es mi primera crítica al programa. Este proyecto se define como una dramedia, pero los momentos de humor puro son escasos, ya que más bien te encuentras simplemente atrapado en un ring emocional, presenciando cómo Margo es vapuleada por una avalancha de golpes de realidad. El argumento, más maduro y emocionalmente complejo, podría parecer un accidente de coche cómico a punto de ocurrir, pero si nos atenemos a la base de Apple TV, proyectos como Shrinking demuestran que los incidentes duros y los hilos narrativos aún pueden servir de base para un humor convincente. 'Margo tiene problemas de dinero' no lo tiene.

De acuerdo, está mucho mejor si la juzgas según los parámetros de ser un drama, ya que entonces nos encontramos con una historia sobre una joven que se enfrenta a los retos de la maternidad. Desde este punto de vista, la premisa y la estructuración funcionan mejor, sobre todo cuando la Margo de Fanning cuenta con el apoyo clave y fundamental de un reparto más amplio, ya sea su madre Shyanne, interpretada por Pfeiffer, o su padre, Jinx, encarnado por Nick Offerman. Cuando todas estas piezas se unen y consigues ver cómo la familia distanciada conecta y se combina, hay un espectáculo más sustancial y entretenido que celebrar.

Del mismo modo, en este aspecto, los momentos que te hacen experimentar, como espectador, la mayor cantidad de emoción se producen en las escenas más duras, ya sea en los tribunales o en las capillas de boda, o quizás incluso durante las traiciones. La familia de Margo es de lo más complicado y defectuoso que puede haber en una familia, y ver cómo se adapta a cada problema, y cómo esto afecta a la subsistencia de su bebé, Bodhi, es sin duda el elemento más fuerte de esta serie.

Dicho esto, cuando estás en el viaje con estos personajes, no puedes evitar sentirte desconectado de ellos debido a lo egoístas que resultan muchos de los individuos principales. Margo habla bruscamente con sus frustrados compañeros de piso de la universidad porque les molesta que haya traído a un bebé a la casa que comparten, y espera que les parezca bien sin pedirles su opinión... Si a esto añadimos los problemas de su padre adicto, los de su madre que no la apoya y los de su nuevo marido, que es muy religioso, al final tienes un montón de hilos narrativos en los que no puedes evitar tener la sensación de que el núcleo del reparto son los individuos más egoístas de toda la historia. Se trata de un montaje poco habitual, que hace que los momentos realmente duros sean menos impactantes, ya que te sientes menos unido a estos protagonistas debido a su cuestionable moral.

Por supuesto, tiene la calidad característica y la sensación de calidad de la que suelen presumir todos los proyectos de Apple TV, y el reparto hace precisamente lo que se espera de ellos para los arquetipos de personajes que les han tocado. Pero, en general, Margo tiene problemas de dinero me ha parecido un programa que no me ha gustado ver. No hay nada malo en que la trama sea dura y compleja, pero debe tratarse de tal modo que de alguna parte salga una sensación de humanidad, y en esta serie parece venir del niño recién nacido y de cómo cada decisión se toma supuestamente por su bienestar, aunque cada decisión esté arraigada en un egoísmo tal que francamente corrompe las intenciones puras.

En resumen, 'Margo tiene problemas de dinero' es una serie conflictiva, con suficiente potencial y talento para mantenerse a flote, aunque haya corrientes más preocupantes en juego bajo la superficie.

Crítica de la nueva película protagonizada por Keanu Reeves: Outcome (2026)

ben@gamereactor.es (Ben Lyons) — Thu, 09 Apr 2026 18:00:00 +0200

No estaba preparado para ver una historia tan meta como la que Jonah Hill ha montado en forma de Outcome de Apple TV. En teoría, nos encontramos con una peli de comedia que cuenta la historia de una estrella de Hollywood, interpretada por Keanu Reeves, que vuelve bajo los focos después de años apartado del mundillo y todas las complicaciones que esto conlleva. Si tomamos esta premisa básica, le añadimos el poder de las estrellas Jonah Hill y Cameron Diaz con algún que otro cameo de íconos como Martin Scorsese, lo atamos con un lazo de 80 minutos de largo y lo miramos desde lejos, parece la típica fórmula de comedia. Sin embargo, en la práctica, Outcome es un riff divertido pero imperfecto sobre la verdadera vida de Keanu Reeves.

La película no trata solo sobre una estrella que vuelve bajo los focos, sino que también nos cuenta cómo dicha estrella se enfrenta a la revelación de que no cae bien. A pesar de haber sido el chico de oro de Hollywood por tres décadas, se ha enemistado con más personas de las que se ha hecho amigo. Seguramente estaréis pensando, «pero eso no suena para nada como Keanu...» y, si lo miramos desde nuestra perspectiva como fans de este actor legendario, estaría de acuerdo. Sin embargo, muchos de nosotros no conocemos de verdad a Reeves, por lo que determinar esto es imposible. Presenciamos cómo su personaje, conocido como Reef Hawk, busca desesperadamente en la web cualquier indicio de que sus fans le hayan encontrado alguna grieta a su aparentemente perfecta fachada y cómo consigue controlar a un chantajista que lo amenaza de filtrar algo que no recuerda haber hecho. Al final, todo progresa hasta convertirse en una interpretación muy meta y sorprendentemente familiar que da la sensación de que no podría haberse realizado de no haber tenido al aparentemente perfecto Reeves a la cabeza. Debo aclarar que esto no es un ejemplo de la verdadera vida de Reeves, aunque sí que da la impresión de ser increíblemente familiar.

Si bien nos encontramos con una premisa algo original y con sus momentos de genialidad, todo esto se ve opacado por otras decisiones creativas que no conectan conmigo. En primer lugar, Hill interpreta a un abogado especialista en crisis empresariales de nombre Ira que es insoportable durante la mayor parte de la película. Es cierto que tiene un breve momento en el medio de la película en el que se vuelve más auténtico y humano, pero por lo demás destaca por ser desagradable, ruidoso y, lo más importante, no muy divertido. Además, a pesar de lo mucho que me gusta, Reeves no es de los actores más carismáticos y su actuación de Reef Hawk dejaba un poco que desear. Por no decir que las estrellas e íconos adicionales que interpretaron personajes clave (come Diaz) o hicieron algún cameo (Scorsese) no dieron una gran impresión. Al final, para cuando aparecen los créditos en pantalla, uno se da cuenta de que no la ha vivido mucho o de que no le ha afectado emocionalmente. Es un poco plana de principio a fin.

Una de las poca fortalezas que tiene es la forma en la que se burla de los acontecimientos y tendencias actuales, con guiños divertidos sobre la implosión de Kanye West o a las vidas excéntricas y apabullantes de The Real Housewives. Hay elementos en la película que destacan y Hill incluso juega con alguna que otra transición interesante y toma decisiones que nos muestran escenas bastante llamativas desde una perspectiva visual. Sin embargo, al mismo tiempo, para ser una película hecha para comedia antes que nada, no parece que Outcome entienda lo que se le pide.

Un punto de comparación natural para Outcome sería The Studio, pues si bien una es una película y la otra una serie de televisión, las dos están diseñadas para mostrarnos un poco el Hollywood moderno al mismo tiempo que para ser divertidas. En el caso de la segunda, Seth Roger y su grupo prosperan, otorgándonos comedia tanto memorable como ingeniosa y a la altura de tramas y secuencias que le dan una sensación más real y carismática. Este no es el caso de Outcome. Por ello, me cuestiono una vez más por qué Apple TV, a pesar de su prestigio de producir series de televisión excelentes y destacables, no parece ser capaz de alcanzar los mismos estándares en proyectos de larga duración... y Outcome es escasamente un largometraje, ya que he visto «episodios» de televisión más largos que esta película.

Puede sonar como que estoy siendo muy crítico con esta película, y me ha decepcionado por todo su potencial, pero todo esto radica en que me he acostumbrado a esperar grandes cosas de Apple TV. La película no es una maravilla, se puede ver, pero no está a la altura de los otros esfuerzos excepcionales que esta plataforma de streaming ha producido en el pasado. Por alguna razón, parece ser que Apple TV no es capaz de manejar películas y Outcome no es más que otro ejemplo de esto.

Crítica de Sin piedad (Mercy)

ben@gamereactor.es (Ben Lyons) — Wed, 08 Apr 2026 13:00:00 +0200

Vaya, esta ha sido una bastante rara. Existen pocas películas capaces de provocar el mismo cúmulo de emociones y pensamientos que los que Sin piedad me hizo sentir durante sus aproximadamente 100 minutos de película. Es un proyecto extraño porque nos hace preguntas sobre la cada vez más dominante presencia de la inteligencia artificial en la sociedad y, luego, propone estos argumentos en un formato de película que casi se siente como un Tik Tok de larga duración. Sin piedad me incomoda de varias maneras y, aun así, de alguna forma consigue ser una película bastante entretenida.

La trama se desarrolla en un mundo semi-futurista rebasado por el crimen y la agitación, en una representación de Los Ángeles en la que los sistemas de justicia y de policía han decidido reemplazar al jurado humano por una IA a la que el acusado, actuando también como detective, deberá convencer en 90 minutos de que hay dudas razonables acerca de su condena. Si consigue obtener un porcentaje de culpabilidad menor a 92,5 % antes de que los 90 minutos se acaben, tendrá una segunda oportunidad para vivir, pero si falla, será ejecutado en la misma silla que lo mantiene prisionero en el momento.

En cuestión de narrativa, la obra tiene el potencial y la sustancia necesarios para mantener tu atención. La historia se desarrolla en tiempo real, donde los 90 minutos son los mismos tanto para el detective y acusado Chris Raven, interpretado por Chris Pratt, como para el espectador, lo cual contribuye positivamente al ritmo tenso. Sin embargo, las tramas de este estilo también abren la posibilidad a otras ambigüedades morales: por un lado, la premisa en sí comienza a distraerte y te terminas preguntando qué persona en su sano juicio pensaría que esto es una buena idea; por el otro, te cuestionas el poder total que tiene la IA jueza (Maddox), interpretada por Rebecca Ferguson, para hackear cualquier dispositivo y para acceder a toda la información que desee a petición del acusado en su búsqueda de la verdad. ¿Deberíamos romper la ley y cruzar cualquier límite en la búsqueda de la justicia? Esto es lo que la película me ha hecho cuestionarme, a pesar de que este no era el objetivo de la historia.

De todas formas y a pesar de algunas ideas inconsistentes y de otros tropiezos en el camino, la trama es bastante cautivadora y nueva, así como está montada de forma convincente. No ganará los Oscars ni se convertirá en una obra maestra, pero tiene más sustancia y estilo del que muchas epopeyas de acción moderna pueden contar. Más que nada, el problema principal al que Mercy se enfrenta es la forma en la que está montada, casi como si estuviese pensada para Tik Tok. Principalmente, por la forma en la que cambia rápido entre clips, grabaciones de cámara corporal y videollamadas, todo al mismo tiempo que Pratt grita y se retuerce cada vez que algo no va como quiere y que Ferguson se muestra totalmente impasible debido a su interpretación de una IA sin vida. La mejor forma de describir el desarrollo de Sin Piedad es comparándola con un largometraje de Braindance de Cyberpunk 2077, donde estudiamos y destapamos escenas del crimen en la búsqueda de la verdad. Es un escenario extravagante que hace que parezca que Sin Piedad fue montada por una IA con una inclinación por el cine.

Si bien creo que el punto fuerte de Sin piedad es su premisa narrativa, la película también realiza un movimiento un tanto decepcionante al preguntarse todas las grandes cuestiones que me he hecho antes solo para pasar a los créditos dejándote con un sabor de boca insatisfecha, especialmente si tenemos en cuenta los sorprendentes giros de guion que acontecen en el acto final. Da la sensación de que la película fue montada muy rápido, lo cual es un poco decepcionante por el potencial que tiene, especialmente en temas de construcción de mundos y de cuestiones morales.

Debido a todo esto, Sin Piedad me ha desconcertado un poco. No es un desastre de película como otras pelis recientes que parecen estar hechas para Tik Tok como La guerra de los mundos, pero tampoco es muy buena. Tiene sus momentos de calidad, una historia con un buen potencial y un ritmo tenso que te mantiene enganchado, pero también tiene muchas decisiones de edición, actuación e, incluso, visión creativa que alejan a Sin Piedad de dejar una impresión satisfactoria. Sinceramente, no es más que otra película que podrías pasarte la vida sin ver, incluso si los que la han visto no se quedarán con la impresión de odiarla, de alguna forma...

Crítica de El Drama (The Drama)

alex@gamereactor.es (Alex Hopley) — Wed, 08 Apr 2026 09:00:00 +0200

El amor no siempre es fácil, pero tampoco es común que sea tan difícil como es el que aparece en El Drama de A24. Protagonizada por Robert Pattinson y Zendaya, la película trata sobre una pareja que está a punto de casarse cuando se destapa un nuevo secreto que amenaza su matrimonio antes de que este siquiera haya comenzado.

En su primer encuentro, vemos cómo Charlie (Pattinson) se acerca a Emma (Zendaya) en una cafetería. Su sordera parcial nos lleva a una historia adorable, típica de las comedias románticas de los 2000 y la primera parte de la película nos los muestra como dos tortolitos. Si bien sabemos que algo va a ir mal, es agradable ver que el amor de estos dos no se nos presenta como cínico. La película nos pide que nos riamos de Charlie y de Emma en múltiples ocasiones, pero nunca del amor que se tienen. No se trata de dos jóvenes idiotas que, cegados por la atracción física que sienten, estaban destinados a romper ante la primera señal de un verdadero problema.

Es mejor ver El Drama sin saber nada, por lo que no destriparé el giro principal que hace que la vida de la pareja se vuelva un caos, pero es algo que hará que comentes con tu pareja si los personajes deberían haber permanecido juntos o no al salir del cine.

El Drama está repleto de momentos, temáticas y personajes dignos de comentar. Es una obra muy sustanciosa, con suficientes detalles adicionales como para llenar una docena de reels o shorts de YouTube del tipo "detalles que no notaste de... Me gustó en particular la forma en la que el pelo de Pattinson se despeinaba a medida que su salud mental empeoraba. Sin embargo, no creo que vaya a querer volver a verla pronto, puesto que a medida que la película lleva los secretos de la pareja a escenarios cada vez más públicos y que más personas comienzan a conocer el terrible momento que hizo que Pattinson y Zendaya se cuestionasen su vida juntos, los momentos de vergüenza ajena también aumenten, del tipo que o te ríes o te encoges en tu sitio como un caracol que se refugia en su concha.

En verdad, no me esperaba que la intención de El Drama fuese ser tan divertida como terminó siendo. Teniendo en cuenta el título y los actores involucrados, uno esperaría que tirase más hacia el drama, ¿no? Sin embargo, El Drama ha sido editado y grabado tan bien que no puedes evitar reírte hasta cuando sabes que no deberías. Hay algunos cortes que podrían encajar en un episodio de Padre de familia y, aun así, esto nunca desmerece el peso emocional o la esencia de la película. En todo caso, la comedia solo la hace sentir más real, como si los personajes no estuviesen diseñados para el conflicto, sino que son personas de verdad y nosotros espectadores de un pequeño instante de sus vidas.

¿Yo y quién?

Zendaya y Robert Pattinson hacen un trabajo excepcional en su representación de Emma y Charlie, aunque me gustaría destacar que Zendaya sobresale en este campo. Tal y como hizo en Challengers, Zendaya nos demuestra que así como es una de las mayores estrellas del planeta en la actualidad, podría ser totalmente creíble como alguien más. Como actriz, es parte de su trabajo, pero a veces las estrellas crecen tanto que es difícil imaginarlas interpretando el papel de alguien poco importante. Aun así, Emma es una persona realista con los pies sobre la tierra y sobre la cual recae el conflicto central de la obra. Seguramente habéis escuchado la controversia que nació a raíz de algunos aspectos de la película, de lo cual no hablaré más para no destriparla, pero incluso con un tema que camina sobre una cuerda floja suspendida en un pozo de volatilidad, Zendaya carga con el peso de la película como si este fuese un saco vacío. Pattinson también interpreta a un perfecto cabeza de chorlito como Charlie, atrapado, muy a menudo, en sus propios pensamientos, lo cual lo lleva a crear los peores posibles escenarios que se ha imaginado en su cabeza.

El Drama es una gran película, de las que destacan por sus personajes. Es divertida, emotiva y editada con genialidad. Quizás lo que más me gustó de ella fue el elemento romántico, pues, como dije al comienzo, hay cierta creencia en la película de que el amor verdadero existe, que nos ofrece un tema central de esperanza. Esto nos ayuda a reflexionar sobre la posibilidad de redención de las personas, una de las cuestiones subyacentes en el núcleo mismo de esta película. Me gustaría poder amar esta película con todo mi corazón, pero la controversia que envolvió al director Kristoffer Borgil por tener una relación con una adolescente cuando tenía veinte y tantos años me lo dificulta, puesto que me deja con un mal sabor de boca cada vez que trato de elogiar la película incondicionalmente.

Crítica de los dos primeros episodios de Star Wars: Maul - Señor de las sombras en Disney+

ben@gamereactor.es (Ben Lyons) — Tue, 07 Apr 2026 12:00:00 +0200

Aunque seré uno de los primeros en estar de acuerdo en que Star Wars está un poco estancada creativamente, centrándose demasiado en un periodo de tiempo muy concreto y algo reducido a pesar de tener toda una galaxia y una línea temporal de oportunidades a su disposición, esto es tan cierto como el hecho de que, de forma un tanto contradictoria, sigue habiendo un enorme potencial por explotar en esta parte, por lo demás más concisa, del mito de Star Wars: Maul - Señor de las sombras parece sin duda otro buen ejemplo de esta segunda verdad.

El cuadro está pintado sobre un lienzo utilizado muchas veces antes. El periodo de tiempo se sitúa entre los Episodios 3 y 4, un momento en el que el Imperio sigue apoderándose de la galaxia, desplazando y alterando el clima político y socioeconómico. Cualquier fan de Star Wars está familiarizado con este periodo y esta premisa, y lo mismo puede decirse de nuestro "héroe" en esta última historia. Maul ha vuelto, dejando de ser Darth y convirtiéndose más bien en un jefe del crimen, tal y como conocimos al personaje en Las Guerras Clon y en otros proyectos animados posteriores a La Amenaza Fantasma. Al igual que Maul tuvo que recomponerse después de luchar contra Qui-Gon Jinn y Obi-Wan Kenobi hace tantos años, aquí vemos al antiguo Lord Sith reconstruyendo su red criminal después de que todo se viniera abajo al final de Las Guerras Clon, una hazaña que está llevando a cabo mientras trabaja en las siguientes fases de sus planes para vengarse de Darth Sidious (El Emperador). Y ésa es básicamente la premisa en la que parece centrarse Maul - El Señor de las Sombras: venganza y renacimiento.

En cierto modo, es una estructuración narrativa admirable, porque no cae en la trampa de la plantilla de Star Wars, bastante manida, que vemos en otros lugares. De nuevo, no hay un héroe real en esta historia (a menos que cuentes a algunos de los personajes secundarios) y la trama no trata del bien contra el mal. Esto es más Boardwalk Empire o Mob Land que la Guerra de las Galaxias tradicional, y quizá sea ese su mayor punto fuerte.

También es claramente una serie animada de Star Wars de temática más madura. Los jóvenes seguirán viéndola bien, por supuesto, pero hay más cosas aquí que los fans mayores y más experimentados pueden apreciar y disfrutar de verdad, a diferencia de lo que se cocinaba con frecuencia en The Bad Batch, por ejemplo, donde daba la sensación de que algunos hilos argumentales estaban diseñados para enseñar a un niño algún tipo de lección en lugar de ser simplemente ciencia ficción de acción entretenida.

Además, al tener a Maul como protagonista, conseguimos un buen equilibrio entre la acción con sables láser y el manejo de la Fuerza, sin que la serie se convierta en algo sobre los Jedi y los Sith, o que no trate sobre ellos en absoluto. Es un término medio y, aunque puede que cambie a medida que lleguen más episodios, en su estado actual es un equilibrio entretenido y refrescante.

La Guerra de las Galaxias siempre ha ofrecido una dirección artística y unos decorados magníficos, y aquí no se salta ni una. También hay una gran cantidad de aura y carisma en lo que se presenta en esta serie, una visión artística y dirigida que te hace comprender los atributos clave de los personajes principales sin necesidad de saber mucho sobre ellos. No me malinterpretes, sigue habiendo un montón de "escollos", o "tradiciones", como dirían algunos, siempre presentes en Star Wars, como tener un compañero droide estrafalario (bastante sádico en este caso), un personaje que sirve de puro alivio cómico y de salida de Bathos, y un estilo de animación que empieza a parecer un poco demasiado predecible y manido. Así que no es perfecto en absoluto, pero Maul - El Señor de las Sombras ya ha hecho muchas cosas bien hasta ahora.

Así que se trata de un buen comienzo. Esperemos que la serie pueda mantener este nivel de calidad a medida que vayan llegando el resto de los episodios, para ofrecer un final memorable y emocionante a tiempo para el Día de Star Wars.

Crítica de Ruta de Escape (Crime 101)

ben@gamereactor.es (Ben Lyons) — Tue, 07 Apr 2026 09:00:00 +0200

Si tenemos en cuenta el poder de las estrellas que participan en Ruta de Escape, resulta casi chocante que la película apenas recaudara 70 millones de dólares en taquilla. Chris Hemsworth, Halle Berry, Mark Ruffalo, Barry Keoghan o Monica Barbaro son algunas de las mayores estrellas del Hollywood actual o algunas de las promesas más firmes, y sin embargo esta película tuvo un éxito bastante trágico entre los espectadores. Es cierto que yo también soy parte del problema, ya que esperé a ver Crime 101 en Prime Video, aunque quizá fue un error.

Digo esto porque lo que el guionista y director Bart Layton ha cocinado con esta película es un filme de acción bastante elegante y emocionante que claramente se inspira mucho en Heat. La trama gira en torno a un ladrón experto, que solo tiene como objetivo a la gente rica y bien asegurada, nunca recurre a la violencia y además no deja rastro de su presencia. Este es el Davis de Hemsworth, también conocido como el Ladrón de la 101, ya que suele cometer todos sus delitos al alcance de esta emblemática carretera que se extiende por Los Ángeles. Davis tiene conflictos con la vida que lleva y, cuando un día un ladrón rival realiza un trabajo que él había planeado y deja un rastro de violencia a su paso, las autoridades locales intensifican sus esfuerzos para neutralizar a este ladrón legendario, lo que da lugar a una persecución del gato y el ratón entre un criminal con problemas emocionales y un policía abatido por los golpes de la vida, interpretado por Ruffalo. Ah, y entre medias, tenemos a un cruel e impulsivo ladrón rival interpretado por Keoghan, mientras que Berry aparece como una agente de seguros atrapada en el centro de este retorcido triángulo.

¿Te suena? Si has visto Heat recientemente, o necesitas refrescar la memoria leyendo la sinopsis argumental de esa película, notarás algunas comparaciones muy marcadas. Podrías argumentar que este nivel de familiaridad tiene sus problemas, pero yo diría que eso solo ocurriría si Ruta de Escape no consiguiera elaborar una historia entretenida basada en estas premisas similares a las de Heat. Y de hecho lo hace. Hay tramas que se entrecruzan y fusionan, que aíslan y luego conectan al elenco principal, hay emocionantes y caóticas persecuciones en coche, intensos enfrentamientos en los que podría ocurrir cualquier cosa, y un armazón emocional que lo mantiene todo unido y que humaniza a cada personaje, redondeándolo y haciéndolo parecer más real.

La cuestión es que Ruta de Escape es un thriller policíaco elegante y con estilo, que acierta más de lo que falla. El reparto es capaz y está bien conjuntado, la acción está coreografiada con eficacia, y todo ello confluye en una película que hace que Los Ángeles vuelva a sentirse como el centro del mundo, del mismo modo que lo consiguió Heat.

¿Es perfecta? En absoluto. Con unos 140 minutos de duración, es una película larga que se habría recortado un poco para llegar a las dos horas y conseguir una narración más equilibrada. Tal como está, no está terriblemente equilibrada, pero a los 90 minutos empiezas a preguntarte si se podría haber cortado o acelerado para mantener una estructura más uniforme.

Del mismo modo, a pesar de todo el espacio para respirar que tiene la película en su forma actual, algunos de los arcos narrativos más secundarios parecen más un simple relleno que algo más sustancial. Ya sea el romance entre Davis y la Maya de Barbaro o incluso cómo se adapta la Sharon de Berry a una situación profesional cada vez más injusta. Todo esto tiene un nivel de importancia para la historia principal y, por tanto, es una narración vital, pero no se maneja exactamente de un modo que resulte especialmente entretenido o memorable.

Así pues, hay aspectos que mejorar, pero esto no debería restar mérito al hecho de que Layton haya elaborado una película de acción bastante buena con Ruta de Escape. De nuevo, es elegante y apasionante, y en su mayor parte te entretendrá este llamativo thriller de atracos.

Crítica de la segunda temporada de Vicios ocultos (Your Friends & Neighbors) en Apple TV

ben@gamereactor.es (Ben Lyons) — Fri, 03 Apr 2026 03:00:00 +0200

Creo firmemente que, si entiendes bien las bases, mantienes una visión creativa clara e inviertes el dinero suficiente en un proyecto de entretenimiento, este nunca será peor que «bueno». Digo esto porque, si bien es cierto que Apple TV tiene algún que otro proyecto que destaca como excepcional e imprescindible de ver, el resto de su biblioteca suele existir en una escala de notables, situado en algún punto entre el siete y el ocho sobre diez. Esto se debe, principalmente, a que la plataforma le da a sus creadores el tiempo y espacio necesarios para idear la serie que visualizan, así como los apoya con un presupuesto competente, lo cual tiene como resultado series como Hermanas hasta la muerte, Los amos del aire, Fundación, Para toda la humanidad, Terapia sin filtro e, incluso, Vicios ocultos.

Cuando hice la reseña de la primera temporada del show protagonizado por Jon Hamm, había encontrado entretenido e impresionante lo que los creadores habían ideado, programando Vicios ocultos para ser otra serie de Apple TV de calidad. Sin embargo, le faltaba el ingenio de Slow Horses, no tenía el mismo carisma de Ted Lasso y carecía de la clase narrativa de Separación. Ya se ve un poco por donde van los tiros, ¿no? Era otra serie 8/10, que tenía lo suficiente como para ser reconocida como un éxito, pero no conseguía dar el salto al siguiente escalón del ranking.

Un año más tarde, Vicios ocultos vuelve con su segunda temporada, otra tanda de episodios que se centra en el Coop de Ham y como sigue buscando su lugar en el mundo después de una gran crisis de la mediana edad. A diferencia de la primera temporada, donde muchos de los episodios se basan en introducir y exponer al elenco, así como en explicar sus motivos a profundidad, esta temporada no pierde el tiempo para facilitarte lo que se viene. Coop vuelve a robar casas con destreza para poder financiar su estilo de vida al mismo tiempo que trata de involucrarse más con su familia y de convertirse en el padre y la pareja que antes no era. Es decir, todo va bien, ¿no? Pues bastante, hasta que un nuevo hombre rico llega al vecindario y atrapa a Coop en el medio de un trabajo.

Esa es la premisa de la segunda temporada. Sigue a Coop a medida que se involucra cada vez más con Owen Ashe, interpretado por James Marsden, un magnate naviero absurdamente rico que parece demasiado bueno para ser verdad. De forma parecida a Separación y a otros proyectos que nunca explican directamente lo que está pasando, pero que con frecuencia dejan caer alguna pista de que hay algo más escondido, esta segunda temporada se construye sobre las bases de averiguar quién es Ashe y qué es lo que quiere, lo cual funciona a favor de la narrativa, pues te mantiene intrigado y entretenido.

Debería decirse que el núcleo y el elenco original siguen siendo igual de eficaces en lo que hacen, incluyendo a Hamm como el arquetípico macho alfa (así es como otros personajes lo ven), e incluso Olivia Munn, Lena Hall, Amanda Peet y demás. Aunque la verdadera estrella de esta segunda temporada es Marsden, quien nos enseña una de sus mejores actuaciones hasta la fecha. Ashe es misterioso, pero excéntrico; vivaz, pero falso. Es un Gatsby moderno con todo el potencial y dificultades que esto conlleva y Marsden interpreta este papel con clase, facilidad y total confianza. Él solo roba la escena, interpretando lo que solo puede ser considerado como su mejor papel hasta la fecha. Como con Gatsby, Ashe te encandila cada vez que aparece en pantalla, sin importar que sepas que esconde capaz de destruir su personalidad profética.

Tenemos una segunda temporada con un gancho mejor y más centrado, que se construye alrededor de nuevos personajes capaces de rivalizar con Hamm y un comienzo menos expositivo. Todo esto sin tener en cuenta la estructura típica de Apple TV, la cual ofrece el sentimiento de ver algo de gran gran calidad en todo momento. También es una hazaña impresionante para una serie como Vicios ocultos, la cual se desarrolla en una comunidad elitista en la que la riqueza no se mide en millones, sino en mil millones. A esta serie se le ha dedicado mucho dinero y se nota.

Está claro que Apple TV tenía grandes expectativas y esperanzas para Vicios ocultos, lo cual se evidencia más en su segunda temporada, que es más ingeniosa, entretenida, brillante, ostentosa y carismática. No puedo esperar a la tercera temporada.

Crítica de Primate

ben@gamereactor.es (Ben Lyons) — Wed, 01 Apr 2026 16:00:00 +0200

El terror es un género excelente porque puede prosperar gracias a la sencillez. No es necesario que haya un gran universo unido por una multitud de proyectos, las películas de este género no suelen requerir presupuestos inmensos, y las películas de terror suelen tener una duración más concisa que requiere menos atención y tiempo del espectador. En muchos sentidos, el terror puede parecer el último bastión del Hollywood de antaño, y son películas como Primate las que siguen manteniendo este nivel.

Primate no es una película compleja ni especialmente inventiva, pero eso está más que bien porque lo que ofrece simplemente funciona. La premisa es increíblemente sencilla. Las vacaciones de un grupo de amigos se ven arruinadas cuando una mascota chimpancé típicamente bondadosa y encantadora se vuelve salvaje tras contraer la rabia, lo que lleva a una lucha por la supervivencia contra un antiguo "miembro de la familia". Eso es todo. No hay florituras ni advertencias añadidas, es una simple y llana lucha por la supervivencia con elementos de slasher en la que un asesino premonitorio acecha y caza a víctimas indefensas, matándolas metódicamente de las formas más horripilantes y violentas posibles.

Es una película conflictiva porque no hay un villano principal en Primate. Ben el Chimpancé es el asesino y no se puede negar, pero los 20 minutos iniciales muestran lo cariñoso que es este animal y cómo ha formado parte de la familia durante años y años, una elección creativa que hace que su espiral descendente hacia la locura y el asesinato sea aún más incómoda. Del mismo modo, en una línea parecida a la de la mayoría de las películas slasher, Ben no es un asesino vocal, un psicópata retorcido que juega con las emociones de su víctima. El chimpancé no tiene diálogos y se limita a merodear por su casa, eliminando a los supervivientes cuando se presenta la ocasión y asesinándolos brutalmente de formas creativas y estomagantes. En muchos aspectos, Primate se ajusta a la fórmula de Halloween o Viernes 13, donde el asesino simplemente mata y los supervivientes hacen lo que pueden para vivir y ver salir el sol.

Partiendo de esta base, hay un montón de tropos del género de terror que se utilizan en Primate, ya sea un alegre y encantador acto inicial lleno de sensuales sesiones de piscina en bañador y emotivos reencuentros familiares. Pronto la dinámica cambia cuando Ben empieza a arrancar carne de los huesos, a aplastar cráneos con piedras, a arrancar mandíbulas inferiores de cráneos, y la lista continúa. Incluso tenemos momentos en los que los supervivientes se esconden a escasos centímetros del chimpancé asesino, momentos de tensión que, como siempre, aumentan cuando se cae una pila de libros o se enciende un televisor, distrayendo a la bestia como si fuera un acosador persistente en un juego de terror. De nuevo, no estamos hablando de una película que reescriba el guión de terror, pero eso está bien, porque Primate sabe lo que es y simplemente juega con sus puntos fuertes.

Y estos puntos fuertes giran en torno a una duración ajustada de más de 80 minutos que no da la sensación de que la película te haga perder el tiempo, un enfoque centrado en los efectos prácticos, que incluye poner a Miguel Torres Umba en un traje de chimpancé para convertirse en Ben y asegurarse de que no se utilicen efectos digitales de aspecto barato para el asesino principal. Además, toda la película transcurre prácticamente en una sola casa, lo que significa que el foco de atención nunca tiene que desviarse de unos pocos decorados clave, permitiendo que el terror y el factor miedo se cocinen a fuego lento y luego hiervan cuando se produce un asesinato o se rompen huesos.

No verás Primate y te asombrarás de lo que el director y guionista Johannes Roberts ha creado, pero disfrutarás de esta película y, para mí, eso es todo lo que puedes esperar de una película de terror sencilla y directa como ésta. Está claro que no ha costado mucho hacerla, pero el dinero se ha gastado bien, dando lugar a una película divertida, fácil de digerir y bien empaquetada. Por menos de 90 minutos de entretenimiento, no te equivocarás demasiado con Primate.

Reseña: Hemos visto The Super Mario Galaxy Movie... ¿Peor que la primera?

david@gamereactor.es (David Caballero) — Tue, 31 Mar 2026 21:00:00 +0200

Cuando firmé la reseña de Super Mario Bros. La Película hace justo tres años valoré lo que me pareció una gran adaptación a la gran pantalla de esa fantasía tan peculiar que es el Reino Champiñón de Shigeru Miyamoto, Takashi Tezuka y Koji Kondo. Pero criticaba algo sobre todo: que no se daba un respiro y quedaba algo vacía. Que, en cuanto salía de Brooklyn, te bombardeaba con una secuencia de acción detrás de otra, perdiendo el sentido por el camino y apostándolo todo a las referencias nostálgicas. Pero, oye, era tan bonita y algunos de los personajes le aportaban tanto cuerpo que se hacía recomendable incluso para los que no conocieran los videojuegos, si es que queda alguien ahí fuera.

Super Mario Galaxy: La Película hace caso omiso de aquella crítica tan insistente y, efectivamente, repite la fórmula del bombardeo dopamínico para la generación TDA con aún más frenesí si cabe. Lo malo es que esta vez lo hace casi sin sentar unas bases.

Sería hipócrita esperar de esta cinta de animación la credibilidad y profundidad de personajes de El Padrino, pero para identificarlos o siquiera distinguirlos y que su enésimo chiste caiga con más tino, el elenco necesitaba un poco más de cariño y diálogo en pantalla. O algo como la elegancia y la pausa de la escena con el perro en el baño de los Castellano. Porque Estela queda completamente relegada tras una introducción prometedora. Porque Yoshi pasa de descubrimiento ilusionante a comparsa en segundo plano. Porque, aunque el personaje y sus secuencias han quedado muy molonas, resulta raro que Fox McCloud se coma el protagonismo durante un tramo. Si a la secuela le quitas la personalidad de Donkey Kong y su familia, si los Destellos resultan otra versión más infantil de los Toads, y si los puntazos más originales de la primera peli desaparecen, esto se convierte en una sucesión de gags apoyados en escenas visualmente espectaculares.

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Y luego, hay otro factor identitario que esperaba que explotaran: el juego con la gravedad de los títulos de Super Mario Galaxy. Hay uno o dos guiños a esto, sobre todo en la parte del Casino, pero ¿dónde está la sensación de ingravidez de los videojuegos? El mundo bocabajo, el problema de los tres cuerpos o la gravedad cambiante que te hacía cosquillas en la tripa... En Wii y hasta quien haya jugado recientemente en Switch/2 eran y siguen siendo sensaciones fantásticas que la película es incapaz de aprovechar. Sí, se ven planetoides y planetas más grandes inspirados o directamente calcados, y por supuesto hay mucho viaje y salto espacial, pero la misma esencia, el gran ingenio de aquellos juegos, queda diluida.

En su lugar, claro, verás mucho más de Super Mario Odyssey, pero también como cortes rápidos (Reinos de las Cataratas y Arenas) o incluso fuera de lugar (cierta canción cuando no tocaba). El popurrí tira también de Mario Sunshine o Wonder, pero muchas veces sin consolidar la referencia. Por esto, a nivel visual los mejores recursos siguen viniendo de los juegos más antiguos, y lo cierto es que en las escenas finales hace un uso muy bueno del pixel art de Super Mario Bros. y Super Mario World. Por fin algo sorprendente, casi al final.

Y eso es quizá lo que más le falta a Super Mario Galaxy: La Película. Sorpresa y misterio, ya sea a nivel narrativo o artístico. Es tremendamente plana para el fabuloso material original, y es capaz de desdibujar a varios personajes, incluido el propio Mario, supuesto protagonista. Vale que hay un par de pinceladas tímidas de amor, que se descubre como se esperaba el origen de la Princesa Peach, y que Bowser y su arco, una vez más, vuelven a 'robarse el show': aunque no estén a la altura de la primera vez, evolucionan con gracia y en la línea de los juegos.

Dicho todo esto, es por supuesto una película indispensable para los fans. Si queréis ver las mejores realizaciones de los mundos de Mario, es una delicia para la vista. Y aunque da demasiado por sentado, siempre tendréis detalles a los que agarraros cuando roce el aburrimiento (aunque los huevos de pascua no sean ni tantos ni tan buenos esta vez). Y Brian Tyler vuelve a rendir el mejor homenaje posible a Koji Kondo y Mahito Yokota, y solo por su banda sonora merecería la pena ver la película de Mario Galaxy, incluso con los ojos cerrados. Pero me da que esta fórmula machacona para compensar el sinsentido no va a cundir tanto como la primera vez, y que triste e irónicamente esta película es menos "para todos los públicos". Deberán aprender para el ahora previsible retorno de DK a la gran pantalla.

Crítica de Enviad ayuda (Send Help), lo nuevo de Sam Raimi y Rachel McAdams

ben@gamereactor.es (Ben Lyons) — Tue, 31 Mar 2026 16:00:00 +0200

Sam Raimi es un cineasta bastante fascinante, ya que es responsable de algunos de los proyectos de terror más famosos, como Evil Dead y El ejército de las tinieblas, e incluso contribuyó decisivamente a que las películas de superhéroes fueran tan populares como lo son hoy gracias a su eterna trilogía de Spiderman. A pesar de esta épica filmografía, por la que muchos directores venderían su alma, Raimi no ha sido muy relevante en los últimos 15 o 20 años, ya que desde Spiderman 3, como director ha realizado Arrástrame al infierno, Oz: un mundo fantástico y Doctor Strange en el Multiverso de la Locura, tres películas que probablemente pasarán a la historia como algunas de sus obras menos apreciadas. Así que decir que Raimi necesita una victoria es quizás algo exacto.

Este año, Raimi vuelve a ocupar el asiento del director y dirige un thriller de terror más parecido a las películas con las que se dio a conocer. Tras formar equipo con Rachel McAdams en la última epopeya del Doctor Extraño, el actor y el director han vuelto a unirse para Send Help (aquí en España, Enviad Ayuda), una película de supervivencia que gira en torno a dos personas atrapadas en una isla desierta, donde las cosas no son lo que parecen...

Es una película fascinante, escrita por Damian Shannon y Mark Swift, porque en realidad no se ajusta a las normas tradicionales de héroes y villanos. El comienzo de la historia establece una trama más típica sobre una trabajadora menospreciada y su vengativo jefe, siendo testigo de cómo la Linda de McAdams es atormentada y burlada por el nuevo nepo-jefe ejecutivo de la empresa llamado Bradley, interpretado por Dylan O'Brien. Inmediatamente, empiezas a intuir que así es como se desenvolverá la trama en general, explorando cómo Linda hace frente a las burlas y los insultos, pero un accidente de avión bastante rápido, en el que tanto el jefe como la empleada aparecen en una playa lejana, cambia esta dinámica casi instantáneamente.

Linda, que es una gran fan de Supervivientes, tiene un don para las técnicas y habilidades de supervivencia y esto invierte la dinámica, viendo cómo la empleada se convierte en jefa y el jefe en un súbdito leal. Durante la siguiente hora, lo que vemos es florecer una amistad, por conveniencia, hasta que poco a poco se revelan secretos y afloran a la superficie motivaciones y rasgos de personalidad ocultos, lo que conduce a un giro explosivo de los acontecimientos en el que se derrama sangre, se quitan vidas y se entierran horrores en la arena para que se pierdan en los anales del tiempo.

Durante los dos primeros actos de Send Help, solo tenemos alguna que otra muestra de la dirección característica de Raimi, con escenas agitadas e inquietantes que aparecen de vez en cuando. Podría tratarse de cómo los dos personajes supervivientes rebotan el uno contra el otro de formas retorcidas, de ver a Linda luchar contra un jabalí CGI de la forma más violenta posible, de ver cómo los descubrimientos de un superviviente que rompen el aislamiento cambian la situación sin que lo sepa el otro superviviente. Durante más de una hora, en realidad no hay mucho terror en esta película, sino que se centra más en la emoción y en una comedia negra de eficacia desigual, y aunque eso está bien, da lugar a una película a la que le falta un poco de garra, ya que mientras McAdams es carismática y animada, O'Brien resulta ser un protagonista menos destacado. Me atrevería a decir que los dos primeros actos de esta película son sencillamente mediocres.

Afortunadamente, en el tercer acto es donde vemos a Raimi desplegar realmente sus habilidades. Este último acto avanza como un tren bala, viendo cómo se derraman los secretos y presenciando cómo los dos supervivientes afrontan las consecuencias. De nuevo, nunca alcanza el estatus de terror total, pero es mucho más inquietante que lo anterior, con mucho gore en el que vemos ojos arrancados, cabezas decapitadas, gente asesinada e incluso breves sustos de zombis. En este acto final, no querrás apartar la vista más que para estremecerte mientras los personajes intentan matarse unos a otros de las formas más violentas posibles. Es una conclusión brillante que no puedes evitar desear que se refleje a lo largo de toda la película, convirtiéndola más en una película de terror y supervivencia que en un thriller en una isla desierta, como ocurre durante más de 60 minutos.

Así pues, una trama desigual, aunque termine con fuerza. Al menos el conjunto está bien montado, ¿no? En su mayor parte, sí. Hay momentos en los que se utiliza CG con efectos realmente feos y pobres, como en el mirador y durante la lucha contra el jabalí, donde se pierde parte del factor miedo y de la emoción, ya que está muy claro qué partes de la película se han rodado en un plató real y cuáles se han montado en un almacén delante de una pantalla azul. Resulta un poco desagradable y te hace desear que no se utilizaran esas escenas o que se hicieran con efectos digitales mejores y más eficaces.

Cerrando el círculo, si Raimi necesita una victoria para volver a ser uno de los mejores y actuales cineastas del mundo del cine, Send Help no es exactamente eso. Es una película buena y perfectamente entretenida, pero también un poco olvidable y carente de carácter. Con una duración de menos de dos horas, no te aburrirás de ver esta película, pero cuando pasen los créditos, tampoco saldrás atónito ni maravillado. Es una película aceptable, y no hay nada malo en ello, pero no pasará a la lista de las mejores de Raimi.

Ya hemos visto Shelter: El protector - Más Jason Statham para bien y para mal

ben@gamereactor.es (Ben Lyons) — Fri, 27 Mar 2026 09:00:00 +0100

Vayamos al grano, sabemos de qué va la película. A pesar de todas las cosas que hace bien, Jason Statham suele protagonizar películas que se desarrollan y se formulan de la misma forma: Los mercenarios, The Mechanic, Beekeeper: El protector, A Working Man e incluso Megalodon y Fast & Furious. Los papeles de Statham siempre suelen ser los del tipo brusco y duro que debe superar dificultades para salvar el día, a menudo de la forma más violenta posible. Independientemente de lo que opinemos y de lo predecible que se haya vuelto, no podemos negar que sus películas suelen ser entretenidas de ver.

Os ahorraré el tiempo y os diré que Shelter: El protector sigue esta fórmula a la perfección. Es una peli de acción fácil de ver y no destaca mucho, pero tiene algunos momentos que demuestran por qué a Statham le ofrecen continuamente esta clase de papeles. Típica película de 5/10, se podría decir.

No voy a perder mucho el tiempo en la trama porque no hay mucho que merezca la pena destacar. En resumen, Statham es un antiguo agente de las fuerzas especiales británicas que lleva años viviendo en el exilio y la clandestinidad cuando es encontrado y perseguido por el mismo gobierno que una vez sirvió. El Servicio de Inteligencia Secreto de Reino Unido le enviará todo tipo de amenazas y será su deber superarlas al mismo tiempo que protege a una joven que resulta ser familia de uno de sus antiguos compañeros de equipo. Si le pidiésemos a ChatGPT una sinopsis genérica de una película de Statham, probablemente nos daría una premisa muy parecida. De hecho, lo probé y los resultados fueron bastante graciosos:

«Previamente un agente secreto, un solitario mercenario se ve arrastrado al mundo que intentó dejar atrás cuando una misteriosa persona de su pasado resurge. Viviendo una vida tranquila y desconectada en el presente, se ve obligado a volver a la acción cuando una joven, conectada con un trabajo que salió mal unos años antes, se vuelve el objetivo de un poderoso sindicato criminal internacional».

«A regañadientes, la acoge y descubre una conspiración que se extiende desde las calles londinenses hasta las altas élites corporativas y que involucra tecnología robada, dinero sucio y una traición más cercana de lo que esperaba. A medida que las bajas aumentan y el tiempo se agota, deberá apoyarse en su bruta eficacia, su ingenio y su inquebrantable moral para desmantelar la operación pieza por pieza».

«Sobrepasado en números y siendo perseguido a cada instante, libra una incansable guerra química contra un enemigo que conoce cada uno de sus movimientos. Sin embargo, han cometido un grave error, le han dado algo por lo que luchar».

Podría parecer que Shelter: El protector es otro gran ejemplo de película de acción sin sentido, parecida a la película A Working Man, pero es aquí donde el factor Statham entra en acción. A pesar de todos sus fallos narrativos, presenta escenas y combates perfectamente coreografiados que demuestran que Statham es una de las mejores estrellas de acción que podamos encontrar. Al estilo de John Wick, nos muestra una violencia rápida y enérgica que nunca da la sensación de contención o lentitud por parte de los actores. Es un ballet de brutalidad del que Statham es un maestro.

De forma similar, si bien el presupuesto de Shelter: El protector no se puede comparar con otras opciones de cine de acción moderno, se apoya más en escenarios reales y el uso del entorno, en que la coreografía de los combates sea fluida y en los momentos brillantes de sus actores más veteranos, como el siempre excelente Bill Nighy. No se trata de una película que busque o que te haga perder el tiempo, sino de una montaña rusa violenta que te mantendrá entretenido a pesar de sus problemas más evidentes y sus típicos elementos de diseño. Sobre esto último, tiene los giros de guion como, por ejemplo, cuando asesinan al perro de Michael Mason para incentivar más al personaje. También nos encontramos con las típicas selecciones de escenario de este tipo de pelis, como una secuencia en un club de las que sirven para darle al departamento de mezclas el día libre, ya que la punzante música electrónica de la banda sonora ahoga el resto de pistas de audio...

En conclusión, no es nada que no hayamos visto, pero esto no quita que Shelter: El protector sea entretenida. No pide mucho y siempre estará abierto el debate sobre si deberíamos continuar apoyando películas con una dirección creativa tan básica. Aunque a diferencia de películas como Máquina de guerra de Netflix, por poner un ejemplo, Shelter: El protector cuenta con Statham, quien, como es costumbre, prospera y nos entrega una actuación que consigue que las dos horas de película corran. Es el Statham que conocemos y amamos. Que cada uno interprete esto como quiera.

Aquí tienes nuestra crítica de Algo terrible está a punto de suceder (Something Very Bad is Going to Happen)

magnus@gamereactor.es (Magnus Groth-Andersen) — Thu, 26 Mar 2026 09:00:00 +0100

¿Recuerdas la primera media hora de "Nosotros", de Jordan Peele? Quiero decir, antes de que intentara desesperadamente hacerte tragar a la fuerza una explicación poco realista y totalmente ridícula de la lógica interna de la película. No, en realidad la primera media hora transcurre sin ningún clon espeluznante, sino sólo con un nudo creciente en el estómago que le dice a la protagonista, Lupita Nyong'o, que algo va... mal. Ese "Algo terrible está a punto de suceder".

Sí, traigo a colación este ejemplo porque es exactamente el tipo de suspense que crea Haley Z. Boston. Boston ha construido toda su serie de terror de ocho capítulos en torno a -éste es el fundamento básico y central sobre el que se construye toda la experiencia- tu conocimiento inherente de que algo terrible va a ocurrir, pero no sabes cuándo ocurrirá, ni qué aspecto tendrá cuando ocurra. Tú lo sabes, los personajes no, ésa es la anatomía de la premisa, y esta premisa dura unas buenas siete horas.

Algo terrible está a punto de suceder (Something Very Bad is Going to Happen) es una serie de Netflix de ocho episodios creada por Boston y producida, entre otros, por los creadores de Stranger Things, Matt y Ross Duffer. Seguimos a Rachel Harkin (interpretada por Camila Morrone), que va a casarse con Nicky Cunningham (interpretado por Adam DiMarco) a la semana de empezar la serie, mientras conducen juntos hasta la mansión de verano fortificada de la rica familia de él para conocer a sus excéntricos parientes antes de la inminente boda. Revelar más estropearía realmente tanto la emoción de ver cómo se desarrollan lentamente estos acontecimientos, como el misterio inherente a saber que "Algo terrible está a punto de suceder", sin poder realmente contextualizar ese conocimiento ni situarlo dentro de un marco comprensible.

Créeme, sin embargo, cuando digo que Boston dirige aquí a su reparto (que incluye, entre otros, al siempre talentoso actor danés Zlatko Burić) a la perfección absoluta. Jennifer Jason Leigh vuelve a dar una clase magistral, al igual que Morrone, que, en el papel de Rachel, proporciona precisamente la combinación de anclaje emocional y misterio necesaria para mantener el interés del espectador durante toda la película.

Por lo general, Boston se inspira en Ari Aster, Jordan Peele y quizá incluso Mike Flanagan, ya que el suspense se prioriza mucho más que el terror que hace subir la adrenalina, y por eso deja que la cámara se detenga un poco más de lo que te resultaría cómodo, y también tiende a hacer que los personajes hablen directamente al objetivo de la cámara, casi al estilo FPV, para aumentar la tensión y el mencionado nudo en el estómago, que crece y crece a medida que se desarrollan los episodios.

La serie está respaldada por un diseño de producción absolutamente brillante de principio a fin, en el que se hace especial hincapié en los contrastes de iluminación y en la nítida química del color, lo que también hace que la serie parezca infinitamente más cara de lo que seguramente fue. Combinado con los humeantes paisajes sonoros del compositor Colin Stetson, tienes aquí una afiladísima dosis de terror.

La única queja real es que ocho episodios de unos 50 minutos cada uno alargan la historia, el suspense efectivo y toda la estructura hasta el punto de ruptura. Es impresionante en sí mismo que lo lleven tan lejos como lo hacen, pero es difícil ignorar que la serie probablemente se habría beneficiado de un formato de miniserie de, digamos, cuatro o cinco episodios.

Dicho esto, Algo terrible está a punto de suceder es uno de los proyectos de terror más eficaces de Netflix en mucho tiempo, y anuncia una brillante carrera para Boston como creador y showrunner.

Esto es lo que nos ha parecido la segunda temporada de Daredevil: Born Again

ben@gamereactor.es (Ben Lyons) — Wed, 25 Mar 2026 02:00:00 +0100

Es bastante inusual cómo las tendencias de los espectadores están cambiando hacia el Universo Cinematográfico Marvel. Por supuesto, está el debate en curso sobre la fatiga de los superhéroes y cómo está afectando a los resultados de taquilla de las películas, pero a eso hay que añadir un cambio en el que muchos de los proyectos del MCU mejor recibidos de los últimos tiempos han sido, de hecho, series de televisión, una hazaña inimaginable para cualquiera que mirara al futuro desde la década de 2010. El regreso de Daredevil ha ayudado a conseguir este cambio de destino, ya que el hombre sin miedo se introdujo de lleno en el MCU en forma de una serie dedicada que se estrenó en 2025 con gran éxito y ya es hora de la segunda tanda de episodios.

Seres ancla. Eso fue algo que Marvel introdujo en Deadpool y Lobezno y, para el MCU en general, se podría argumentar que Daredevil es el ser ancla de sus esfuerzos televisivos. Ningún programa de acción real ha recibido el mismo número de episodios y la misma rapidez de producción que Daredevil: Born Again, y con razón en muchos aspectos, ya que esta serie es quizá la más sólida del MCU hasta la fecha. No es que la competencia sea muy dura si nos fijamos en las series con segundas temporadas...

Si no has visto la primera temporada, aparta la vista ahora, porque vamos a comentar brevemente adónde nos lleva la siguiente tanda de episodios. Tras la investidura de Wilson "Kingpin" Fisk como alcalde de Nueva York, el formidable villano ha activado sus esfuerzos antivigilantes en un intento de acabar con los héroes entrometidos. Mientras muchos han sido delatados y perseguidos por estas leyes injustas, Matt "Daredevil" Murdock y Karen Page han pasado a la clandestinidad, formando equipo con unos cuantos justicieros evasivos para cercenar el imperio de Kingpin desde sus cimientos. Esencialmente, ningún lugar es seguro para Daredevil, y es en este contexto en el que encontramos a nuestro intrépido héroe enfrentándose a dificultades abrumadoras que harían desmoronarse a hombres más débiles.

En realidad, la premisa de la historia refleja en cierto modo la sociedad moderna. Hay un villano que utiliza la propaganda y los mensajes sociales retorcidos y controlados para hacer creer al público algo que, por lo demás, es falso. Hay ejecutores no oficiales y violentos en la calle, habilitados para utilizar la fuerza siempre que lo consideren personalmente necesario para detener a los llamados "justicieros". Hay funcionarios corruptos, leales al villano general, que retorcerán las leyes y las normas para que se ajusten a su narrativa. En muchos sentidos, la segunda temporada de Daredevil: Born Again se acerca demasiado a la realidad, aunque la narrativa, evidentemente inspirada, se suavice con emocionantes escenas de lucha y héroes disfrazados.

La cuestión es que, al igual que la primera temporada de Born Again, esta historia de Daredevil no está lastrada por las mismas narrativas, casi atenuadas, que pueden encontrarse en el MCU más amplio. No se puede ocultar que esta serie está pensada para un público más maduro, fans cansados de ver héroes infalibles y paladines sociales que no tiemblan ni un solo segundo, ni siquiera sangran de verdad. Esta serie es más cruda y honesta, violenta y oscura, y eso se nota tanto en la brutalidad de sus secuencias de lucha excelentemente coreografiadas como en la forma en que el asesinato, el tráfico de personas, la angustia mental y una colección de otros hilos narrativos más grises se entretejen rutinariamente en el tapiz.

Es la decisión de ser más maduros y menos dependientes del fanservice lo que hace que Daredevil: Born Again (y en particular esta segunda temporada) sea una delicia. Al igual que Wonder Man a principios de este año, no se traiciona de quién trata esta serie. Claro, puede que notes guiños al MCU más amplio o que te hagas preguntas personalmente, como "¿qué hace Spiderman mientras Nueva York se desmorona?". Pero tampoco es una serie en la que sientas la necesidad de indagar constantemente sobre el panorama general. Se trata de una historia sobre Daredevil y los justicieros "defensores" de Nueva York, se presenta más como un relato cerrado en el MCU más amplio, una historia en la que no sientes el peso narrativo de más de 40 películas y series de televisión sobre sus hombros. Se le permite ser lo que es, así que hay que reconocer el mérito de Marvel por no enredarla demasiado en el entramado más amplio.

Eso no quiere decir que no haya fanservice. Sigue habiendo decisiones evidentes y obvias que se han tomado para apaciguar a los fans del MCU y de los cómics, como el traje rediseñado de "DD", el regreso de Jessica Jones y breves guiños al panorama más amplio del MCU. Al fin y al cabo, sigue siendo Marvel, pero de nuevo, como en Wonder Man, te sumerges en esta historia en su mayor parte, y eso es una cualidad muy admirable.

No olvidemos tampoco que Daredevil: Born Again, como muchos proyectos del MCU, cuenta claramente con un presupuesto bastante elevado, lo que en última instancia significa que la serie rezuma producción de alta calidad. Los decorados, el vestuario, la coreografía y la estructura de las escenas de lucha, el trabajo de cámara, el montaje, todo es de primera línea y un reflejo de lo que cabría esperar de una producción de Marvel Studios.

Resumiendo, si disfrutaste con la primera temporada de Daredevil: Born Again, también te sorprenderá gratamente este nuevo capítulo. Es sencillamente un entretenimiento agradable y de alta calidad, una serie que demuestra que cuando se cuenta con los creativos adecuados y se les involucra en proyectos que les apasionan, toda la naturaleza de la fatiga de los superhéroes se vuelve discutible. Es una serie hecha por gente y estrellas que adoran a Daredevil y eso se nota en cada escena. Es un placer tenerte de vuelta, Sr. Murdock.

Ya hemos visto Noche de bodas 2 (Ready or Not 2: Here I Come) - Una buena secuela, pero preferimos la original

jonas@gamereactor.es (Jonas Mäki) — Mon, 23 Mar 2026 16:00:00 +0100

Hay pocas cosas mejores que una película de terror realmente entretenida, en la que las piezas del puzle se unen para formar un mosaico mucho más bello de lo que podrían sugerir sus partes individuales. Una premisa clara, una buena "scream queen", sorpresas genuinas y un toque de autoconciencia suelen ayudar mucho, como en Noche de bodas. Por razones que siguen sin estar claras, hemos tenido que esperar un tiempo irrazonablemente largo para la secuela, pero después de siete años, el dúo de terror, Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, nos ha invitado al estreno.

Kathryn Newton interpreta a la hermana de Grace y tiene una personalidad mucho más optimista.

Su nueva historia se retoma exactamente donde la dejó la predecesora, y nos permite conocer a una destrozada Grace Le Domas (¿o deberíamos volver a llamarla MacCaullay?) que sale a trompicones del edificio en llamas donde se jugaba al escondite en la predecesora. ¿Cómo se explica todo lo que ha ocurrido a la policía y a la familia en general? Lo descubrimos pronto, cuando aparece Faith MacCaullay, la hermana de Grace. Su historia está claramente plagada de traiciones y conflictos, pero no tienen tiempo de resolver sus problemas antes de verse rápidamente atrapados en otra ronda de juegos.

Para explicar cómo puede continuar esto después de que Grace ganara tan claramente en la primera película, esta vez se ha construido un universo más pequeño en torno a la historia. Ahora, en cambio, hay algo mucho más grande en marcha, lo que significa que aparece una nueva y variopinta banda de satánicos para matar a Grace en su búsqueda de poder.

No estoy muy seguro de que Noche de bodas 2 (Ready or Not 2: Here I Come) se beneficie realmente del hecho de que la historia, por lo demás bastante ajustada y contenida, forme parte de repente de algo global, pero afortunadamente no afecta en gran medida a la película. Ésta es, en cambio, la película de Samara Weaving; ella está, si cabe, aún mejor como Grace esta vez, y también cuenta con la ayuda de magníficos miembros del reparto, con Elijah Wood y Sarah Michelle Gellar en particular, que merecen una mención por unos papeles que parecen hechos a medida para ellos.

No pasa mucho tiempo antes de que la gente empiece a morir de forma realmente violenta, y Grace tiene incluso a su reticente hermana en la refriega. Las dos discuten constantemente de una forma inesperadamente cruda y odiosa, lo que anima las cosas, aunque en algunas escenas tiene un cierto aire de "poli colega", ya que también se les ha dotado de personalidades muy diferentes.

En esta ocasión, se ha establecido un universo mucho más amplio en torno a Ready or Not, que en consecuencia pierde parte de su encanto.

Después de eso, la acción avanza a buen ritmo, ofreciendo tantas risas como sustos, y la variedad de coloridos enemigos hace que siempre parezca variada. Sin embargo, si tuviera que señalar un punto débil, es que Grace y Faith escapan con demasiada frecuencia gracias a una suerte improbable o a una torpeza improbable, y la solución Deus ex machina nunca ha sido algo que me guste especialmente.

Afortunadamente, sin embargo, la película te mantiene entretenido hasta el final y, en definitiva, es una buena película de terror, que habría apreciado aún más si no hubiera sabido que había una predecesora que era un poco más aguda. Sospecho que ésta no será la última película de la serie, y el hecho de que siga pensando que me encantaría ver una tercera entrega me parece la confirmación de que ésta es una película a la que los aficionados al terror deberían dar una oportunidad.

Es acción sin pausa de principio a fin, y sin duda valdrás tu dinero.

Ya hemos visto Peaky Blinders: The Inmortal Man y, aunque es una buena peli, tiene sus peros...

ben@gamereactor.es (Ben Lyons) — Fri, 20 Mar 2026 11:30:00 +0100

Cuando saltó la noticia de que Peaky Blinders continuaría y pretendía cerrar por fin la historia de Tommy Shelby con una película dedicada a él, me emocioné baastante. Las seis temporadas de esta serie, que abarcan casi una década de televisión, se convirtieron en algo muy querido para mí por diversas razones, más allá simplemente de su excelente calidad. Sin embargo, cuando se supo que Netflix iba a participar, mi confianza en el proyecto empezó a flaquear, aunque el equipo creativo principal de la serie, incluido el creador y guionista Steven Knight, volviera para el proyecto. Cualquiera que haya visto las películas originales de Netflix sabrá que suelen llegar con una calidad muy desigual, con algunas opciones excelentes (Puñales por la espalda, por ejemplo) y otras que no puedes evitar preguntarte por qué se les dio luz verde en primer lugar. Así pues, ¿encajaría Peaky Blinders: The Immortal Man en la primera categoría y despediría a Tommy Shelby con una conclusión digna, o por el contrario se deslizaría hacia la segunda categoría y serviría como una mancha no deseada en la herencia de la serie?

Tras llegar a los créditos de Peaky Blinders: The Immortal Man, está claro que se trata de una de las mejores películas de Netflix, aunque no sea tan sólida como la serie principal. Retomamos la historia mucho después de los acontecimientos de la 6ª temporada y encontramos a un Tommy Shelby derrotado y solitario, esperando pacientemente el día en que la muerte lo reclame. Sin embargo, el mundo se desmorona en medio de la Segunda Guerra Mundial y Birmingham vuelve a ser un polvorín a punto de estallar, con una banda Peaky Blinders más violenta, liderada por el hijo lejano de Tommy, Duke, que vuelve a dar problemas. Cuando los fascistas y los partidarios de los nazis entran en liza, y los inocentes que sirven simplemente para mejorar el mundo se convierten en víctimas de esta guerra, está claro que Birmingham necesita de vuelta a su rey gitano, y Tommy pone fin a su soledad para su propia consternación.

No se puede negar qué es esta película y por qué se ha hecho. No está aquí para establecer la próxima era de Peaky Blinders, no está aquí para contar una heroica historia de guerra, sino que es el acto final de la historia de Tommy, una forma de poner verdaderamente un final firme al que quizá sea el personaje más famoso de Cillian Murphy. Es sombrío, oscuro y constantemente ensombrecido por los fantasmas de su pasado. No hay mucho aquí que te haga sonreír o sonreír, es una exploración de la psique de un hombre que quiere liberarse de las garras viciosas de la vida, y por desgracia esto no puede venir sin un precio.

Hay momentos impactantes en esta película, métodos utilizados para concluir de forma similar los arcos narrativos de otros personajes clave en la historia de Peaky Blinders, y algunos son eficaces, mientras que otros resultan una necesidad desaprovechada. Por ejemplo, Paul Anderson no está en el reparto, así que probablemente puedas deducir lo que eso significa para Arthur, el hermano de Tommy, uno de los antiguos personajes muy clave para la narración en general. De hecho, a estas alturas, ya no quedan muchos Shelby en los que centrarse, lo que significa que nos encontramos con un reparto formado por un montón de estrellas y personajes nuevos. No me parece mal, pero una de las mejores partes de Peaky Blinders siempre ha sido cómo ha ido presentando a los personajes y haciendo que conectaras con ellos o los comprendieras a lo largo de una o varias temporadas. Esta película tiene una fracción del tiempo, por lo que el Duke de Barry Keoghan, el Kaulo de Rebecca Ferguson y el John Beckett de Tim Roth no aterrizan del mismo modo que los personajes del pasado. Para mí, esto es un poco desperdiciar un talento tan excelente.

Del mismo modo, la trama está estructurada de tal forma que en la primera hora hay un montón de exposición y de Peaky Blinders tradicional, lo que estaría bien si hubiera seis horas de televisión para contar la historia completa. En este formato, nos queda menos de una hora para cerrar esta historia con un bonito lazo, y el resultado es un giro vertiginoso de los acontecimientos en el que no parece que la despedida de Tommy sea todo lo perfecta que debería haber sido. En cuanto a lo que sigue, tampoco estoy seguro de que el Duque de Keoghan, si ha de ser la base de la siguiente era, tenga lo que hay que tener para llenar los inmensos zapatos que ha dejado Murphy.

En última instancia, en lo que respecta a una historia independiente, Peaky Blinders: The Immortal Man funciona como un buen entretenimiento, pero desde luego no es lo mejor que ha dado la serie en general. Las partes de esta película que más destacan son los elementos que Peaky Blinders siempre ha manejado bien: el diseño de decorados y vestuario, la unión de ambiente y música, la notable interpretación de Cillian Murphy. Esta película continúa estas partes de Peaky Blinders que todos conocemos y amamos, pero luego tropieza un poco en su composición narrativa y en cómo intenta hacer demasiado, de forma demasiado ineficaz, en demasiado poco tiempo.

No es ni mucho menos una mancha en el legado de Peaky Blinders y es sin duda una de las mejores películas originales de Netflix (aunque el listón no suele estar tan alto), pero ¿está a la altura de la calidad realmente asombrosa de la serie de televisión principal? No, no lo hace.

Crítica: Mr. Nobody Against Putin - Los profesores (y no los soldados) determinan guerras

Óscar@gamereactor.es (Óscar Ontañón Docal) — Wed, 18 Mar 2026 12:00:00 +0100

Olvida el título por un segundo. Olvídate de Putin. Olvídate de las noticias del mundo. Imagina en su lugar a un pequeño hombre en una pequeña ciudad, de pie delante de pequeños niños, sosteniendo una pequeña cámara. De eso trata este documental. O, como dijo David Borenstein hace sólo dos días al aceptar el Oscar: "Todos nos enfrentamos a una elección moral. Pero, por suerte, incluso un don nadie es más poderoso de lo que crees".

El don nadie en cuestión es Pavel Talankin, apodado Pasha. Es (o era) el coordinador de eventos y videógrafo escolar de la Escuela Primaria nº 1 de Karabash. Karabash es una pequeña ciudad de los Urales, conocida (si es que es conocida) por ser una de las ciudades más contaminadas del mundo. Pasha no era periodista. Simplemente era un hombre que grababa a los niños y calificaba su pequeña oficina de "pilar de la democracia". Pero entonces llegó febrero de 2022. Y todo cambió.

Tras verse arrastrado a regañadientes a la maquinaria propagandística de Putin, Pasha empezó a documentar cómo se adoctrinaba a los rusos de a pie con mensajes a favor de la guerra y se les reclutaba para la guerra. El Ministerio de Educación ruso empezó a emitir directrices (canciones, poemas, rituales patrióticos) que Pasha debía filmar y cargar en una base de datos estatal para que Moscú pudiera verificar que los decretos sobre lecciones patrióticas se cumplían en toda la vasta extensión de Rusia. Pero en algún momento entre la filmación de niños agitando banderas y la observación de miembros del grupo paramilitar Wagner dando lecciones como invitados en el aula de su escuela, algo cambió en él. Siguió filmando. Pero ahora filmaba para nosotros.

Pavel Talankin y su cámara

Lo que el codirector David Borenstein (un cineasta estadounidense afincado en Copenhague que encontró a Pasha a través de una convocatoria de casting en la Internet rusa) ha reunido a partir de este material en bruto, recogido en secreto, es lo que le ha hecho ganar el Oscar esta semana.

Porque la genialidad de Mr. Nobody Against Putin reside precisamente en lo que se niega a ser. No es una película de guerra. No hay frentes, ni ciudades bombardeadas, ni imágenes de destrucción. El horror aquí es burocrático. Es mundano. Es un plan de lecciones. Es una canción. La película ilustra la transformación de la sociedad rusa de autoritaria a totalitaria, y lo hace a través de las aulas, no de los campos de batalla. A través de las caras de los niños. A través de la forma en que una profesora sonríe cuando sabe que una cámara la está mirando y no puede dejar de sonreír aunque ya no quiera.

Pavel Talankin y los niños

La ciudad de Karabash funciona como un telón de fondo extraño, casi poético. Pasha admite, casi con afecto, que le encanta el lugar. Y tú le crees. Porque ésa es exactamente la contradicción en la que se asienta la película, amar a un país al que simultáneamente estás viendo devorarse a sí mismo. Talankin conservó en secreto el material que filmó en la escuela antes de abandonar Rusia en 2024. Ahora reside en la República Checa. El momento más peligroso, dijo entre bastidores en los Oscar, fue cruzar la frontera con los discos duros.

Y sin embargo, a pesar de todo el peso político que tiene la película, Borenstein es lo bastante sabio como para no dejar que se convierta nunca en una película puramente política. La cámara permanece cerca. Permanece en el pasillo, en el gimnasio, en el pequeño despacho que Pasha llamaba su "pilar de la democracia". Y al hacerlo, consigue algo que años de cobertura informativa no han logrado: que Rusia parezca un lugar donde vive gente. Donde un hombre puede amar la filmación y odiar lo que se hace en su nombre. Donde la distancia entre la complicidad y la resistencia no es un paso fronterizo, sino una decisión tomada en silencio, a solas, en una habitación llena de niños.

Escuela Primaria nº 1 de Karabash

En el momento en que los créditos ruedan sobre esa imagen final, casi insoportablemente simple (su habitación, vacía, al tener que abandonar su país) comprendes que lo que has estado viendo no es simplemente una historia sobre Putin. Ni siquiera, realmente, una historia sobre Rusia. Es una historia sobre lo que hace una persona cuando la institución a la que sirve se convierte en algo a lo que ya no puede servir. Sobre el extraño, obstinado y ligeramente absurdo poder de un hombre con una cámara que no deja de apuntar con ella a la verdad. Es, en última instancia, una historia sobre un Don Nadie. Sobre (para bien o para mal) todos nosotros.

Ya hemos visto Incontrolable y nos ha parecido un peliculón, ¡no te pierdas nuestra crítica!

ben@gamereactor.es (Ben Lyons) — Wed, 18 Mar 2026 09:00:00 +0100

Durante las últimas semanas se ha hablado mucho de John Davidson, desde que el escocés, conocido por su labor como activista y por visibilizar de manera positiva el síndrome de Tourette, dió unas declaraciones tan inintencionadas como desafortunadas en la ceremonia de los premios BAFTA que dejaron al público atónito. Quienes entienden cómo afecta este síndrome a las personas que lo padecen suelen mostrarse comprensivos. Sin embargo, todavía hay quienes lo juzgan como algo inaceptable, y es precisamente a ellos a quienes se dirige principalmente Incontrolable, un drama basado en la vida de Davidson.

Esta película es emotiva a la vez que provocativa, y supone un viaje íntimo y profundo para enseñarnos lo que vivió este hombre en unos tiempos en los que se sabía mucho menos que ahora sobre el Tourette, que a menudo se veía como algo falso. Y más aún teniendo en cuenta la zona de Reino Unido en la que se desarrolla, mucho menos abierta a la inclusión y al cambio que las ciudades multiculturales y liberales, sobre todo en el siglo XX.

Acompañamos a John mientras va experimentando tics y arrebatos involuntarios que llevan a que sus profesores desinformados lo castiguen o incluso a que sus compañeros del colegio lo acosen. A partir de ahí, seguimos con él durante su paso a la vida adulta, donde el estigma asociado a su condición le hace difícil encontrar trabajo o pareja, e incluso lo lleva a acabar en la cárcel y a ser agredido por personas que se toman sus arrebatos como insultos. La primera hora y poco de esta obra es cruel e imperdonable, y nos presenta una historia que no nos dejará indiferentes y cambiará nuestra perspectiva sobre los pacientes con Tourette.

No obstante, en este túnel tan oscuro entra algo de luz gracias a Dottie, una enfermera especialista en salud mental que afortunadamente entra en la vida de John y le ayuda como nadie más habría sabido. Esta relación entre ambos nos ofrece un toque de humor y una sensación de ternura que son característicos de Incontrolable, sobre todo en la segunda mitad del largometraje, cuando la oscuridad se disipa y va dejando paso a la luz y la esperanza.

Tanto el guion como los diálogos de esta película son fantásticos y la convierten en una historia de la que no podrás despegar tu mirada, ni siquiera en sus momentos más duros y dolorosos. Y, créeme, hay muchos. Igualmente, gran parte de lo que hace brillar a este proyecto es gracias a la actuación de Robert Aramayo en el papel de John, que ofrece una interpretación pura e increíblemente efectiva de una persona que padece el síndrome de Tourette. Es, de lejos, la mejor actuación de Aramayo en toda su carrera, y supera con creces sus esfuerzos como Elrond en El señor de los anillos: Los anillos de poder. Nos cautiva en cada escena, lo hace perfecto, y demuestra que tiene lo que hace falta para poder competir con los mejores actores de todo el mundo. Por otro lado, Maxine Peake también destaca por su interpretación de Dottie, la compañera amable y siempre positiva que acompaña a John en los momentos más difíciles.

Está claro que no estamos ante una producción de alto presupuesto ni de una que quiere impresionarnos con decorados ni escenas espectaculares, pero eso da igual, porque todo lo que hace Incontrolable tiene una calidad excelente y hace que algunos dramas con diez veces su presupuesto parezcan de segunda categoría. Es un gran ejemplo de que un buen guion, un reparto acertado, una dirección sólida y actuaciones excelentes son todo lo que hace falta para crear una película que destaque y que deje huella.

Y, llegados a este punto, solo me queda recapitular diciendo que Incontrolable es una de las películas más impactantes y emotivas que he visto en mucho tiempo. Está claro que os dejará sin palabras en sus momentos más duros, os hará sonreír con alegría en sus partes más tiernas, y el resto del tiempo no podréis deshaceros del nudo en vuestra garganta. Es una producción enormemente efectiva y atrayente, y sin duda deberíais sacar un rato para verla, porque no os decepcionará.

Crítica de Torrente Presidente de Santiago Segura

javier@gamereactor.es (Javier Escribano) — Tue, 17 Mar 2026 18:09:32 +0100

Torrente Presidente se estrenó en salas el pasado viernes, tras una campaña de marketing sin precedentes durante la cual no se mostró ni una sola imagen ni tráiler, para que los fans fueran los primeros en verla. Eso incluyó blindar la película ante la crítica, sin organizar pases de prensa hasta la semana siguiente, aunque muchos críticos acudieron igualmente durante el fin de semana para dictar sentencia sobre la nueva Torrente.

Sorprendentemente, las primeras críticas fueron bastante variadas, bastante mejores de lo esperado teniendo en cuenta los apedreadas que fueron las últimas películas de Santiago Segura (las familiares de Padre no hay más que uno incluidas). ¿Es Torrente Presidente una buena película de Torrente, o incluso... una buena comedia?

Durante un buen rato de Torrente Presidente, llegué a pensar que... sí. Sentarse a ver una sucesión de chistes, comentarios y comportamientos machistas, racistas, xenófobos, homófobos y todas las subclasificaciones de aberrante imaginables no resultaba tan incómodo como pensaba, al enmarcarlos todos en la parodia política. Santiago Segura muestra que alguien como José Luis Torrente resulta demasiado facha y casposo hasta para Vox, y sin embargo es Torrente el que mejor conecta con una gran cantidad de votantes, hasta el punto de hacer inútil la forma de hacer política tradicional. Es un reflejo del populismo mucho más firme de lo que esperaba, en un país tan folclórico como España que, sin embargo, aún no ha llegado a los niveles de payasadas de Trump o Milei... y lo peor es que no resultaría extraño que lo mostrado en Torrente Presidente se hiciera realidad. "Cualquier parecido con la realidad es una putada", reza el título inicial de la película.

Convertir Torrente en una sátira política es una, en mi opinión, una muy buena excusa para traer de vuelta a Torrente después de doce años en los que las sensibilidades de los espectadores y la sociedad en sí han cambiado drásticamente. Casi nadie negaría que ha habido desvaríos y disparates en pos de lo políticamente correcto (dónde dibujar esa línea entre lo que es y no es aceptable es otra cuestión donde es difícil ponerse de acuerdo), pero es innegable el éxito colectivo de haber dejado de normalizar comportamientos y gracietas descaradamente machistas, racistas y homófobas, algunos ya criticados abiertamente en la primera Torrente de 1998, pero otros que por aquel entonces seguían más que aceptados.

Y el problema de Torrente a partir de la segunda entrega (sin necesariamente incluirla) es que cada vez resultaba más difícil justificar cada nueva secuela que sacaba Segura: la sátira y la crítica mordaz hacia el facherío español ya estaba hecha, no había nada más que aportar a ella, salvo usarla como carta blanca para la reincidencia en esas mismas barbaridades, cada vez con menos pudor y más regodeo, cada vez con más sospecha de que las películas se hacían para que cierta gente celebrara ciertas cosas sin pedir permiso ni perdón, reventando la taquilla como casi ninguna película española lograba. Como una pescadilla que se muerde la cola, un monstruo de la basura haciéndose más grande y oloroso, como la escena de The Boys en las que Homelander fríe a un tío y para su sorpresa no le censuran sino que le aplauden.

Afortunadamente, Torrente Presidente no resulta tan gratuita como las otras secuelas, y Santiago Segura reconduce bien la saga al apuntar directamente a la política, y específicamente a partidos como Vox, como culpables de que los comportamientos e ideologías más rancias sigan a la orden del día, incluso al alza. Luego hay disonancias, sí, como invitar a la película a agitadores políticos, a creadores de bulos o directamente a políticos corruptos, pero la buena intención está ahí. Incluso si no compras su discurso (que es intencionadamente ambiguo y, como muchos dicen, de brocha gorda y maleable para que cada cual lo moldee para sus intereses), al menos los chistes son más relevantes y reconocibles y el desfile de cameos está algo más justificado, a diferencia de las insoportables secuelas de Torrente de la 3 a la 5.

Lo malo de esto es lo que nos juega nuestro imaginario colectivo: con tanto cameo y caricatura de políticos, es inevitable asemejarla tanto a una parodia de Nochevieja de José Mota (extraña ausencia en la película, por cierto). Si las anteriores películas de Torrente intentaban parodiar el thriller de policías, con forzadas pero algunas muy meritorias escenas de acción, la premisa de thriler político Torrente Presidente es mucho más insignificante de lo que podría haber sido y acaba siendo un desperdicio de guion que se hace bola en bastantes momentos donde ni cuenta nada nuevo, ni alcanza a hacer reír como al principio.

Lo que da más rabia es que, con algo más de esmero en la escritura, puesta de escena y ritmo, Torrente Presidente podría haber llegado a ser una buena película, más allá de cómo te tomes su humor. Hay momentos donde amagan con giros de guion realmente interesantes, pero el "nudo" y resolución son tan apresurados y torpes que desperdician todo su potencial. Uno puede excusar las interpretaciones patéticas, la dirección plana o la cutrez intencionada, acorde con su protagonista, pero hay ciertas cosas que me cuesta pensar que se hayan hecho tan mal a posta y no vienen de pura ineptitud o falta de ganas/presupuesto.

El resultado es que Torrente Presidente es mejor de lo esperado y al mismo tiempo la misma mierda de siempre, como la propia Sony ha insinuado en su minimalista campaña de márketing. Al menos no se puede negar que Santiago Segura no haya tenido ideas, y me convence de que todavía es posible justificar la existencia de películas de Torrente en 2026, aunque siempre habrá quién no pille la ironía...

No te pierdas nuestra críica de lo nuevo de Ryan Gosling: Proyecto Salvación

peter@gamereactor.es (Peter Westberg) — Tue, 17 Mar 2026 12:00:00 +0100

Viví la experiencia de Proyecto salvación (Project Hail Mary) hace unos cinco años, y disfruté mucho, aunque luego no recordaba gran cosa de la trama. En realidad, fue una sorpresa bastante agradable cuando me senté en la butaca del cine, ya que Proyecto salvación te mantiene en vilo todo el tiempo. Me gusta Ryan Gosling y siempre me ha gustado. No muchos actores pueden llevar una película de dos horas y media como ésta, sobre todo porque pasamos el setenta y cinco por ciento del tiempo con él. Está dirigida por Phil Lord y Christopher Miller. El dúo que, entre otras cosas, nos dio La Lego Película, que fue sorprendentemente divertida.

Para quienes no conozcan la historia, he aquí un breve resumen: el científico y profesor Ryland Grace se despierta solo en una nave espacial a varios años luz de la Tierra. Poco a poco empieza a recuperar la memoria, y resulta que tiene la misión de detener una misteriosa sustancia que está matando el sol y, con él, a la humanidad. Durante el viaje, hace un amigo inesperado. Esa es la historia muy resumida. Es ciencia-ficción, pero sigue estando basada en hechos reales, al menos en algunas partes.

Recuerdo que, como escritor, el libro me cautivó en cierto modo precisamente porque todo parecía bien documentado y realista, y me di cuenta de que Andy Weir, o bien había dedicado mucho tiempo a la investigación, o bien sabía muy bien cómo hilar una buena historia. Por cierto, Weir ha coescrito el guión de la película con Drew Goddard, que también escribió, entre otras cosas, Marte (The Martian), que es, en cierto modo, bastante similar.

Proyecto salvación parece una mezcla de Marte (The Martian) y Moon (una película que me encanta). Lo que me preocupaba un poco cuando vi el tráiler era que el resultado final pareciera demasiado artificioso, que forzaran la abundancia de sutilezas. No me malinterpretes, me encanta el humor cuando funciona, y en esta película funciona fantásticamente. Me partí de risa varias veces. Todos y cada uno de los chistes están muy bien traídos, pero daré un paso más: El hecho es que, a mis ojos, todo funciona en Proyecto salvación. La interpretación, y no sólo la de Gosling, ya que tenemos toda una serie de escenas ambientadas en la Tierra en forma de flashbacks de la época anterior a su lanzamiento al espacio, y esas escenas son absolutamente soberbias, todas y cada una de ellas. Visualmente, es un festín para los ojos (¡véanla en el cine!), el diseño de sonido es soberbio, la música es brillante y el guión es de primera.

Como ya se ha dicho, es divertida (sorprendentemente sutil), angustiosa y profundamente emotiva en muchos aspectos. Hay una escena ambientada en el comedor de un buque militar antes de que comience la misión, en la que un comandante de misión muy estirado canta karaoke. Podría parecer un momento culminante gracioso, pero no, todo lo contrario. Fue una de las escenas más emotivas que he visto en mucho tiempo, y me senté en la oscuridad del cine con un nudo en la garganta, diciéndome a mí mismo que se me había metido algo en el ojo. Hay unas cuantas escenas más realmente hermosas, todo hay que decirlo, y las dos horas y media pasan volando rápidamente. No hay escenas aburridas, nada que parezca innecesario, y todo está exactamente donde debe estar.

Esto es lo que pasa: veo muchas películas y muchas series de televisión. Es raro que me sorprenda, me cautive o algo por el estilo. En cierto modo, es como si aquel niño que devoraba todas las películas que caían en sus manos y se sentaba al borde del asiento a esperar los nuevos éxitos de taquilla se hubiera desvanecido un poco. Rara vez me emociono. Aproximadamente una vez cada dos años, encuentro una película que básicamente me hace sentarme y sonreír un poco durante toda ella (aparte de cuando casi se me saltan las lágrimas, claro) y la última vez que vi una película así en el cine fue probablemente Dungeons & Dragons: Honor entre Ladrones, que me pareció un entretenimiento absolutamente brillante.

Proyecto salvación es una de esas películas, de principio a fin. Es la primera película destacada del año, la mejor película del año hasta ahora y tienes que verla. También hay que añadir que es bastante mejor que Interstellar. Me encanta Christopher Nolan, o me encantaba antes de las soporíferas Tenet y Oppenheimer, que no era ni de lejos tan fantástica como la gente afirma. Interstellar tiene muchas cosas que funcionan realmente bien y algunas escenas absolutamente fantásticas, pero también es extremadamente pretenciosa y ¿quién demonios aprobó esa escena en la biblioteca al final? Proyecto salvación es como la prima más guay y ligeramente más divertida de Interstellar. Es completamente imperdible.

¿Está la cuarta temporada de Invencible a la altura de las demás? Descúbrelo en nuestra crítica

ben@gamereactor.es (Ben Lyons) — Mon, 16 Mar 2026 15:00:00 +0100

Desde luego, hoy en día no andamos escasos de entretenimiento de superhéroes, lo cual es en parte la razón por la que algunos de los proyectos de superhéroes más excepcionales no se perciben como una cita imprescindible para el gran público. Como alguien que ha seguido Invencible desde que se estrenó en formato animado, diría que esta serie es mejor que gran parte de lo que se publica en otros sitios, y aun así, no parece ser algo que despierte en todo el mundo la necesidad de verla.

Para mí, eso es una pena, porque ofrece todo lo que se le puede pedir a una serie de superhéroes de animación. Tiene tramas retorcidas y emocionalmente complejas en las que traicionan a los héroes, asesinan a personajes icónicos, y las relaciones florecen junto a los personajes principales. Todo ello ocurre a través de una gran variedad de lugares de nuestro planeta, de los mitos, y de más allá de las estrellas.

Asimismo, Invencible (Invincible) comenzó como una asombrosa explosión, ofreciendo una primera temporada que dejó boquiabiertos a los espectadores. La segunda suavizó un poco esa percepción, pues no estuvo a la altura de aquellos estándares tan altos, y también porque la precedió una espera demasiado larga, para ser honestos. Por suerte, la tercera temporada supuso un regreso a su mejor versión y, tras haber visto la cuarta, puedo decir con satisfacción que esta última tanda de episodios también es sencillamente brillante.

No hablaré demasiado de la narrativa y la trama para evitarte spoilers, pero si has leído los cómics originales, sabrás lo que se avecina. Omni-Man regresa a la Tierra, Atom Eve se pelea con sus poderes, Thragg hace su memorable entrada, Conquest causa estragos, Cecil lidia con unos poderes que se escapan a su control, ... Ah, y una cosita llamada la guerra entre los Viltrumitas y la Coalición de Planetas se acerca peligrosamente. Si has seguido la serie, nada de esto te pillará por sorpresa, ya que la 4ª temporada es ese momento en que todo converge, un primer cierre de telón para la historia principal, que aún guarda muchos ases bajo la manga para las futuras temporadas. Una de ellas ha recibido luz verde y se estrenará dentro de un año, aproximadamente.

Por todo ello, prepárate para una temporada en la que se desvelan momentos cruciales y se producen giros decisivos para la serie, que darán forma a esta adaptación de Invencible superando todas las expectativas. Mantiene constantemente un ritmo apasionante y lleno de acción, es emocionante e incluye toques de humor ligero que te harán reír. Además, para equilibrar este plato tan caótico, deja espacio para episodios y escenas más calmados que se centran en el lado más humano y emotivo de la historia, entre ellos una trama que explora el pasado de Nolan cuando era un joven viltrumita. La mezcla de todo resulta fascinante y convierte a la serie en una gran adaptación que da la sensación de hacer justicia al material original y, al mismo tiempo, de tomarse la libertad de explorar áreas y elementos narrativos en los que los cómics no profundizaban. Su creador, Robert Kirkman, sabe muy bien lo que debe hacer esta serie para ser siempre excelente, y la 4ª temporada es una prueba más de ello.

Dicho esto, también hay momentos en los que me gustaría que la animación tuviera un poco más de vida. Hace tiempo que estoy a gusto con el estilo de animación de esta serie, tanto porque refleja el material original como porque un montaje de animación más recatado permite una producción más rápida, de ahí que hayan salido casi tres temporadas de Invencible en el mismo tiempo en el que X-Men 97 solo ha estrenado una. Sin embargo, hay momentos en los que me da la sensación de que se abusa demasiado de este estilo para mi gusto, como en una escena (bastante divertida) que parece durar cinco minutos entre Invencible y Damien Darkblood, en la que los personajes no se mueven prácticamente nada. En este ámbito hay margen de mejora, sin duda, pero si es a costa del ritmo de estrenos que tenemos hoy en día, que es una nueva temporada cada 12 meses más o menos, puedo vivir con ello.

Así que sí, hay aspectos en los que Invencible podría mejorar, pero en general, se trata de una serie de animación excelente que sigue estando por encima de gran parte de la competencia. Es entretenida sin esforzarse demasiado, te tendrá al borde del asiento durante sus intensas batallas, te hará reír con sus chistes y juegos de palabras tan tontos e ingeniosos, y te dejará boquiabierto cuando se desvelen las grandes sorpresas. Invencible sigue prosperando y, si aún no lo has hecho, deberías echarle un vistazo a esta serie.

Crítica: Melania - Una caja elegantemente envuelta sin nada dentro

Óscar@gamereactor.es (Óscar Ontañón Docal) — Thu, 12 Mar 2026 14:00:00 +0100

Hay una versión de un documental sobre Melania Trump que podría haber sido realmente fascinante. Se trata de una mujer que creció en la Yugoslavia de la época comunista, se abrió camino como modelo por Europa, aterrizó en Nueva York y, finalmente, se convirtió en la Primera Dama de Estados Unidos (dos veces). Melania, sin embargo, el documental financiado por Amazon y dirigido por Brett Ratner, no es esa película.

En su lugar, la película sigue los 20 días previos a la segunda toma de posesión de Donald Trump, cubriendo la planificación, los preparativos, las cenas a la luz de las velas. Es, en el sentido más estricto de la palabra, un libro de sobremesa que cobra vida, bonito de ver, inmediatamente olvidable y que no está pensado para ser leído. Melania Trump no deja de maquillarse ni de llevar tacones durante todo el tiempo que dura el libro, siempre impecablemente arreglada, sin un pelo fuera de su sitio, lo que puede ser una disciplina admirable, o puede ser exactamente el problema.

La película se hizo con la propia Melania como productora ejecutiva, con pleno control editorial. Sólo este hecho ya lo dice todo. Es su historia, y como su protagonista y productora ejecutiva, la cuenta como quiere, salpicada de referencias a sus canciones favoritas, incluida "Billie Jean" de Michael Jackson. No hay nada malo en controlar tu propia narrativa, pero cuando la controlas tan férreamente, entonces sí hay algo malo. O no hay nada, podríamos decir...

Hay breves momentos en los que casi surge algo real. La cámara capta a Melania en momentos en los que parece feliz, cantando "Billie Jean" con su chófer, mostrándose realmente cómoda cuando interactúa con el diseñador Hervé Pierre o con la primera dama francesa Brigitte Macron. Esos segundos son extrañamente convincentes precisamente porque parecen improvisados. Pero la película no confía en ellos. Corta, vuelve al paseo a cámara lenta, al plano persistente de los tacones altos sobre el suelo de mármol. Si has visto el tráiler de El diablo viste de Prada 2, en el que destacan las imágenes de tacones caminando por los pasillos, sabrás lo que Ratner quiere conseguir aquí.

La película comienza con los acordes de "Gimme Shelter" de los Rolling Stones, lo que hace pensar que va a adoptar una actitud desafiante. Pero Melania es tan estudiadamente festiva que ni siquiera se adentra en aguas controvertidas. No menciona las políticas de inmigración defendidas por su marido, a pesar de su propia historia de inmigración. Hay un momento revelador en el que elige una cristalería para grabarla con un sello presidencial y alude a "mi país de origen" (nació en lo que hoy es Eslovenia) sin nombrarlo nunca. La película, al igual que su protagonista, se queda en los detalles.

En un momento dado, ella se deja caer mientras Donald Trump ensaya su discurso de investidura y le sugiere que se llame a sí mismo "El Pacificador y Unificador". Él lo incorpora. En la película, esto se reproduce con un estallido de aplausos y un gesto de agradecimiento a su esposa. No es exactamente así en la realidad, ya que los aplausos y la inclinación de cabeza son trucos de montaje. Es una pequeña manipulación, pero reveladora. Ésta es una película a la que no le importa la distinción entre verdad y óptica.

El contexto empresarial en torno a la película es, francamente, más interesante que la propia película. Amazon pagó 40 millones de dólares por los derechos de distribución (el precio más alto jamás pagado por un documental de encargo) y, al parecer, gastó otros 35 millones en marketing. Esto convierte a Melania en el infomercial más caro de la historia. Las especulaciones sobre lo que Amazon estaba comprando realmente (acceso, buena voluntad, cobertura política) durarán décadas más que la propia película.

Los críticos le dieron un 11% en Rotten Tomatoes, mientras que los compradores de entradas verificadas le dieron un 99%, la mayor diferencia entre crítica y público en la historia del sitio. Esta división dice más del estado actual de Estados Unidos que de la propia película. La gente a la que le encantó vino a adorarla, la gente a la que no, no fue. Y, como señalamos anteriormente, casi todas las críticas positivas proceden de cuentas que aún no han reseñado ningún otro proyecto.

En definitiva, Melania no es una película que duela ver, ni siquiera es especialmente exasperante una vez que has ajustado tus expectativas. Simplemente, está obstinada y magníficamente vacía. Una caja elegantemente envuelta sin nada dentro, que pide ser admirada por su lazo.

¿Quieres saber nuestra opinión sobre la segunda temporada de One Piece? Aquí tienes nuestra crítica

conny@gamereactor.es (Conny Andersson) — Wed, 11 Mar 2026 09:20:00 +0100

Cuando trabajaba en una tienda para frikis en Oslo, había una gran sección de manga que a menudo me paraba a mirar con interés. A lo largo de los años, compré innumerables volúmenes de Ataque a los titanes, Full Metal Alchemist, Fairy Tale y One Piece, entre otros. Así pues, he seguido a Monkey D. Luffy en forma de dibujos animados durante muchos años, y aunque no he leído los más de 100 volúmenes del manga -ni he visto una fracción de los más de 1.100 episodios del anime-, he seguido a Luffy, Zoro, Usopp, Sanji y Nami, que forman la banda de Piratas del Sombrero de Paja, en muchas aventuras entretenidas. Hace poco más de dos años y medio que los conocimos en formato de acción real en Netflix, y puedes leer nuestra reseña de la primera temporada aquí.

Ahora toda la pandilla está de vuelta. El viaje desde el East Blue hasta el infame Grand Line comenzó en la primera temporada, pero al mismo tiempo hubo muchas presentaciones y otras cosas que superar. Así que, al iniciarse la segunda temporada, podemos decir que el viaje empieza en serio y, sobre todo, se acelera. Convenientemente, Luffy y la pandilla hacen una primera parada en Loguetown para prepararse seriamente para el peligroso viaje que les llevará a la Montaña del Revés y, finalmente, al Grand Line, donde tiene lugar la segunda temporada. Rápidamente se hace evidente que la segunda temporada eleva tanto el ritmo como los niveles de producción, y es un viaje realmente entretenido de seguir.

El diseño de las localizaciones es fantástico, y está claro que Netflix ha invertido mucho dinero en la producción de la serie.

Lo primero que pienso es que es un poco como vivir un juego de rol japonés. Una especie de viaje por carretera... perdón, viaje en barco, en el que seguimos a esta extraña pandilla en su viaje de una isla a otra. Cada parada implica, naturalmente, aventuras y peligros de diversa índole, donde los peligros acechan en los lugares que visitan, y como son piratas, también son buscados, para regocijo del carismático, excéntrico e ingenuo capitán Luffy. El ritmo es rápido, y aunque la fórmula en sí es bastante predecible en cuanto a la forma en que se suceden los episodios, después de los dos primeros episodios estoy completamente dentro. La primera mitad de esta temporada es increíblemente encantadora y entretenida en todos los sentidos, y a pesar de algunas secuencias de acción bastante repetitivas y enfoques similares sobre cómo avanza el viaje, nunca pierde su corazón ni su ritmo.

Sin embargo, empieza a flaquear un poco en la segunda mitad de la temporada, como si el famoso problema de que los episodios son un poco demasiado largos se planteara con demasiada frecuencia. Al mismo tiempo, hay que presentar y dar espacio a muchas historias y personajes, y no siempre es posible lograr un equilibrio perfecto. Acontecimientos algo similares se amontonan unos sobre otros, y por muy divertido que sea ver a Luffy balancear sus brazos de goma o a Zoro mostrar sus habilidades con la espada, se hace un poco demasiado repetitivo.

Por suerte, One Piece tiene una enorme galería de coloridos personajes para mezclar y combinar, donde ningún peinado, atuendo o maquillaje es demasiado loco para encajar. Claro que a veces parece cosplay, pero te lo crees cuando todo lo demás tiene un diseño tan alocado. Los teléfonos son enormes caracoles, uno de los nuevos personajes principales se pasea constantemente con dos puros en la comisura de los labios y el resto en los bolsillos de la chaqueta. Nos encontramos con gigantes y animales parlantes, y tanto los héroes como los villanos gritan los nombres de sus ataques especiales antes de ejecutarlos... Sí, sabes a lo que me refiero. One Piece es fantasía de todas las formas mágicas imaginables y tienes que intentar ignorar el hecho de que algunas cosas parecen un poco ridículas, porque así es como es y así es como debe ser, y me dejo atrapar por toda la locura que ocurre. One Piece es una píldora de felicidad en muchos sentidos, desde los bellos efectos visuales hasta los personajes, el diseño de los entornos y, lo más importante, funciona muy bien.

¡Chopper aparece y es adorable!

Ya en la primera temporada, la mayoría de la gente, incluida yo misma, estaba satisfecha con su aspecto y lo entretenida que era. A menudo pienso que funciona incluso mejor en la segunda temporada. En muchos sentidos, creo que es lo mejor que se puede hacer al trasladar todo de los dibujos animados a la "realidad". Claro que hay que hacer cambios y recortar acontecimientos, pero está claro que hay un material de origen fantástico en el que basarse y que se ha tratado de hacer que todo funcione en este formato. En su mayor parte, lo hace, con algunas excepciones relativas al ritmo y a ciertos personajes que tienden a desaparecer durante largos periodos de tiempo, como si no supieran muy bien qué hacer con todos ellos.

En general, sin embargo, es muy divertida, encantadora y, después de ver los ocho episodios de la segunda temporada (todos ellos de aproximadamente una hora de duración) en un solo día, tengo la sensación de haber vivido y formado parte de una aventura increíblemente grande. Cuando pasaron los créditos del último episodio, hubo algo que me hizo muy feliz, y es que la serie ha sido renovada por una tercera temporada. Claro que la espera será larga, pero ya estoy deseando vivir más aventuras en alta mar.

Si te apetecía ver Máquina de guerra (War Machine), te recomendamos que veas otra peli

magnus@gamereactor.es (Magnus Groth-Andersen) — Tue, 10 Mar 2026 09:00:00 +0100

Aunque mi tolerancia a la propaganda bélica estadounidense haya ido disminuyendo con los años, hay excelentes ejemplos de películas que utilizan un marco muy militarista y casi de inspiración estadounidense, y dan en el blanco. Además, he disfrutado varias veces de la premisa de "un hombre en el campo de batalla luchando contra probabilidades aparentemente insuperables", en la que muchos buenos actores han logrado lucirse, desde DiCaprio en El renacido hasta Amber Midthunder en Predator: la presa.

Sin embargo, Máquina de guerra (War Machine) no es un buen ejemplo de ninguna de las dos cosas: ni como pieza de hiperrealismo pro-militarista inspirador, ni como película de "hombre en el campo de batalla", y ni siquiera como entretenimiento ligero en compañía del tipo de hombros anchos que sale en Reacher.

De hecho, merece la pena pararnos con Predator: la presa, que ya he mencionado, pues su premisa se parece bastante a la del largometraje que hoy nos ocupa. Los nuevos reclutas Ranger están a punto de hacer su examen final sobre el terreno, pero lo que ellos creen que es su objetivo es en realidad una máquina de guerra (Máquina de guerra, ¿lo pillas?) de un planeta alienígena, que caza a los soldados sin piedad. Estos insisten de manera casi cómica en llamarse unos a otros por sus números de recluta Ranger, incluso después de que la entidad alienígena empiece a despedazarlos. En medio de todo esto, encontramos al traumatizado 81, interpretado por Alan Ritchson, que intenta desesperadamente hallar algo humano y reconocible en la historia, pero no consigue salvar un material tan vergonzosamente pobre.

Hay quien ha elogiado a Máquina de guerra por servir como entretenimiento de la "vieja escuela", plagado de clichés y llegado de una época pasada, pero yo digo que en realidad es una estupidez. No "entretenimiento estúpido" en el sentido de esos placeres ocultos que disfrutas en casa, sino en el sentido de que directamente está mal construida y es incomprensible.

Piensa en Predator: la presa; esa película no era perfecta, pero consiguió plantear con gracia un violento enfrentamiento entre una superpotencia alienígena y una presa que resulta ser más difícil de matar de lo que se creía en un principio. Predator da miedo, es hábil, y cuenta con una iconografía que nos pone inmediatamente en contexto. Si lo comparamos con el enemigo de Máquina de guerra, tan pesado, aburrido e insípido, parece un AT-ST de un JRPG barato: ni da miedo, ni transmite nada, ni es emocionante de ver.

Y luego está Ritchson. Veo que a muchos les encanta su presencia honesta y física en Reacher, y parece que esa serie también le ha dado escenas y arcos que se adaptan a su temperamento y sus puntos fuertes. No voy a comentar su capacidad general, pero sí voy a decir que Máquina de guerra sin duda hace que todos los implicados sean peores actores de lo que probablemente son en realidad. El trágico pasado con su hermano, interpretado por Jai Courtney, no acaba de cuajar, sobre todo cuando se supone que debe servirle de empujón para "dar un paso adelante" como líder.

Hay muchas películas "estúpidas" por ahí, construcciones simples con suficiente entretenimiento directo y sencillo como para que puedas desconectar fácilmente tu mente analítica. Pero Máquina de guerra solo hace que te eches las manos a la cabeza. No es tan consciente de sí misma como otros afirman entre elogios, y por eso puedo decir con total seguridad: "¡mejor pon otra cosa!".

Crítica de ¡La Novia! (The Bride!), reimaginación de Frankenstein

javier@gamereactor.es (Javier Escribano) — Fri, 06 Mar 2026 16:10:00 +0100

Es difícil hacer una crítica de una película como The Bride! (¡La Novia!). No es la típica "mala película", que es mala porque demuestra que sus creadores no tuvieron ideas originales o hicieron lo mínimo. Se nota que de verdad es un proyecto pasional para la directora Maggie Gyllenhaal, que consiguió reunir un presupuesto de 80 millones de dólares para una reinterpretación muy libre y feminista de la película de 1935 La novia de Frankenstein, en la que Jessie Buckley interpreta un doble papel de The Bride y la propia Mary Shelley hablando desde el más allá, rindiendo homenaje a las películas de gángsters, de terror y musicales de los años 30.

Es el tipo de "blockbuster de autor" que Warner Bros. se enorgullece de producir (como Los Pecadores, de Ryan Coogler), permitiendo a directores emergentes con mucho talento dar rienda suelta a su creatividad sin (casi) límites creativos ni presupuestarios. ¡La Novia! es enormemente ambiciosa, y puedes sentir que la película está llena de ideas estimulantes tanto en sus temas como en su lenguaje visual. Lamentablemente, todos esos elementos no dan lugar a una película agradable. En lugar de eso, es un lío confuso que parece mucho más larga que los 126 minutos que dura, y carece de la profundidad necesaria para hacer algún comentario reflexivo, ni cuenta tampoco con nada realmente chocante para provocar alguna emoción visceral, aparte del desconcierto y el tedio.

El mayor problema es que nunca sientes una conexión real con el personaje principal, la Novia. La escena inicial de la película, en la que el personaje de Buckley, Ida, escort de un jefe de la mafia, es "poseída" por Shelley y suelta un discurso incomprensible e insoportablemente largo, marca el tono de la extraña aventura que le espera: tras su muerte, es revivida por la Dra. Euphronious (Annette Bening) cuando el monstruo de Frankenstein (del que se dice que vive desde 1818, año en que se publicó la novela de Shelley) le suplica una novia para acabar con su soledad.

Ocasionalmente hay química entre "Frank" (Christian Bale) y la Novia interpretada por Buckley, pero su relación no se desarrolla de forma coherente, por lo que no alcanzas a sentir nada por ellos. Estoy seguro de que Gyllenhaal tenía ideas claras sobre lo que simbolizan la pasión de Frank por los musicales o los discursos a doble personalidad de la Novia, pero para cualquiera que vea la película solo resultan decisiones creativas extrañas que no tienen mucho sentido y se interponen en la construcción de personajes creíbles. Tantas excentricidades sin aparente justificación ni narrativa ni temática distraen y acabas perdiendo el interés y la paciencia.

No todo se puede justificar con "es que no lo entiendes". Sin una buena historia que te atrape, lo único que puedes hacer es adivinar dobles sentidos y buscar referencias clásicas del cine, pero todo parece superficial, como si quisiera presumir de ser más inteligente que el espectador con excentricidades incomprensibles y cambios drásticos de tono y de trama que probablemente procedan de la sala de montaje y de los muchos "reshoots" (grabaciones adicionales tras finalizar el rodaje). La película empieza centrándose en la relación entre Frank y La Novia pero, como ya dije, ninguno de los dos (especialmente ella) tiene una caracterización definida para construir un romance creíble.

Luego se convierte en un musical, pero sólo una vez y sin un motivo claro. Es muy forzado y ni siquiera es un buen número musical, lo que contribuye a la sensación de que la película sólo quiere ser rara e imprevisible porque sí, sin una base sólida que mantenga nuestro interés. Luego se convierte en una película de suspense del tipo Bonnie & Clyde (o al menos copia el estilo visual), al tiempo que presenta una revolución social feminista al estilo del Joker de Todd Phillips que surge de la nada, no tiene realmente sentido narrativamente, y casi nunca se vuelve a hacer referencia a ella a posteriori.

Entre la historia cada vez más aburrida de Frank e Ida, los detectives interpretados por Penélope Cruz y Peter Sarsgaard añaden algo de interés y disfrazan temporalmente la película en una persecución de "gato y ratón" (sin comprometerse realmente a mantener la poca tensión que genera). Como era de esperar, también acaban quedándose en potencial desperdiciado: su razón para estar en la película sólo se explica en los últimos 15 minutos, llenos de exposición apresurada, y no es una razón muy convincente. Podrían eliminarse por completo de la película y no cambiaría nada.

Es muy triste que The Bride! acabe siendo tan floja, porque el diseño de producción es genial: no es fácil ambientar una película en los años 30 sin que parezca barata o falsa, pero la película lo consigue. El monstruoso maquillake de Jessie Buckley y Christian Bale ya es icónico, y ellos hacen gala de sus dotes interpretativas, a pesar de verse obligados con frecuencia a sobreactuar.

Pero que la estética visual sea lo único positivo de una película con tantas ideas interesantes es sumamente decepcionante. Una película con ideas, sí, pero tan mal ejecutada y tan insegura de lo que quiere contar que es casi imposible disfrutarla. La única esperanza de ¡La Novia! es convertirse algún día en una película de culto para quien esté dispuesto a llenar las muchas lagunas de su maltrecho guion.

Ya hemos visto la segunda temporada de Ted y sigue siendo Seth MacFarlane en estado puro

ben@gamereactor.es (Ben Lyons) — Thu, 05 Mar 2026 09:00:00 +0100

No se puede negar que Seth MacFarlane tiene una forma especial de hacer las cosas. Ya sea Padre de familia, The Orville o Agárralo como puedas, todo lo que toca esta estrella de la comedia tiene el mismo aire específico. Un estilo claramente impulsado por su amor a las sitcoms de antaño que se vuelve una plataforma para ofrecer comedias de calidad, aunque un tanto predecibles. Sin duda, esto es justo lo que ocurre con la segunda temporada de Ted.

Tras una potente primera temporada que combinaba momentos de comedia salvaje con dinámicas familiares complejas, esta nueva tanda de episodios nos trae de vuelta lo que mejor se le da a Ted y, por extensión, a MacFarlane. Acompañamos a nuestro icónico osito de peluche y a su dueño-hermano, John Bennett, en su lucha por sobrevivir al instituto y enfrentarse a los desafíos de la vida de jóvenes adultos. Por supuesto, esto hace que se exploren varios hilos narrativos de temática sexual, junto con otros temas de adultos que todos los adolescentes exploran o evitan cuando van madurando. Así que podríamos decir que nos resulta familiar y nos causa un poco de nostalgia, a pesar de que el peso de estos temas se suaviza mucho gracias al tono tan cómico que tiene la serie.

Pero, de nuevo, independientemente del tema de cada episodio (y sí, cada episodio tiende a tratar un tema), nos encontramos con una estructura que es casi una representación exacta de Padre de familia. Comienza de forma muy discreta, normalmente en casa de los Bennett, y poco después avanza en distintas direcciones antes de centrarse en la premisa clave del episodio. Un ejemplo de esto podría ser cómo una llamada llena de preguntas a una línea erótica lleva a Ted y John a tener que inventarse un alumno rebelde ficticio para evitar las consecuencias de haberle costado miles de dólares a su instituto. Si estás familiarizado con Padre de familia, esta manera de saltar de una idea a otra que no tiene nada que ver no te resultará tan extraña, y justo por eso, si te gusta la serie animada, no tardarás en volver a sentirte como en casa con Ted y su pandilla.

Por otro lado, también podemos observar que se utilizan muchos insertos y montajes, otro elemento clave de las creaciones de MacFarlane, siendo muchos de ellos guiños a la cultura pop, los mismos que utiliza en sus proyectos de animación. Podríamos llegar a decir que Ted es la versión live-action de Padre de familia, y no estaríamos muy desencaminados.

Por lo demás, los diálogos y la comedia que se utilizan en esta serie son a menudo más que suficientes para pasar por alto su naturaleza un tanto previsible. Ted sabe bien lo que es, y nunca intenta engañarnos ni vendernos que es algo más que una serie estilo sitcom simple y divertida, de esas que no se ven mucho hoy en día. Tiene chistes y juegos de palabras verdaderamente graciosos, insultos despiadados que te harán desternillarte de la risa, y además tiene la parte buena de que no te ocupa mucho tiempo. Son capítulos de media hora que no tienen mucha relación entre ellos, lo que significa que no hay una trama principal más amplia a la que tengas que seguir el hilo. Esta serie nos ofrece entretenimiento en su estado más puro y accesible, y es casi imposible no sentirse impresionado.

Así pues, el regreso de Ted con estos nuevos episodios no te dejará boquiabierto ni te sorprenderá por su forma de reescribir el guión de la comedia televisiva, pero no pasa nada. Son divertidos, fáciles de ver, y a veces te dejarán sin aliento de tanto reír.

Crítica de Hoppers, la nueva película de Pixar

javier@gamereactor.es (Javier Escribano) — Tue, 03 Mar 2026 16:43:49 +0100

Hoppers, la última película original de Pixar antes de que Toy Story 5 llegue a los cines en junio, sale de la mente del director Daniel Chong, más conocido por su trabajo en el programa de Cartoon Network Somos osos y su película de 2020. Aunque no todas las últimas películas de Pixar han gozado del mismo nivel de éxito y valoración crítica, es notable el esfuerzo realizado por el estudio para diversificar la cartera de autores procedentes de distintos ámbitos y que aportan ideas nuevas y originales, como Turning Red de Domee Shi, Luca de Enrico Casarosa o Elio de Adrian Molina, alternando secuelas seguras con ideas arriesgadas. Hoppers es un gran ejemplo que demuestra que el proyecto Pixar sigue funcionando, produciendo películas de calidad que siguen sorprendiéndonos.

Hoppers cuenta la historia de Mabel, una adolescente que lucha contra la construcción de una autopista que destruiría un estanque lleno de todo tipo de animales. Su última oportunidad para detener las obras es demostrar que aún está habitado por castores, y mientras investiga, descubre un programa que permite a los humanos introducir su conciencia en un castor robótico. Transformada en castor, se hace amiga de los animales del bosque e intenta idear un plan para detener la construcción... pero suceden muchas cosas que es mejor no desvelar y que alteran por completo sus planes, y nuestras expectativas viendo una película de Pixar.

La mayor virtud de Hoppers es lo imprevisible que es y su falta de complejos al priorizar sorprender y divertir al espectador en todo momento, incluso a costa de sentirse a veces contradictoria consigo misma. El objetivo de Mabel es detener la construcción de la autopista, pero tras unos cuantos giros locos, sus motivaciones cambian drásticamente, y la película se mueve en otra dirección que es más divertida, pero hace que la moraleja de la historia pierda el foco. Los obligatorios momentos de tranquilidad y reflexión entre el segundo y el tercer acto no enlazan de todo bien con lo que hemos visto antes y carecen del peso emocional que se pretendía, especialmente para lo que esperamos de Pixar. La película es, por supuesto, muy dulce, poniendo gran parte de su corazón en la relación entre Mabel y un castor, pero no es tan manipuladora emocionalmente como la mayoría de las películas de Pixar: probablemente guardes las lágrimas para Toy Story 5 en tres meses.

No mentiré, es un alivio ver una película de Pixar sin extrañas ideas conceptuales repletas de capas y simbolismo que a veces se interponen en la diversión, y con una trama y un villano más llanos que no proceden de la introspección de los protagonistas y cosas así. La lección medioambiental es inconfundible y no muy profunda, y recuerda a la extrañamente similar Robot salvaje, que parecía más una película de Pixar que Hoppers. En realidad, debido al mayor enfoque en la acción, el humor chiflado y un montón de situaciones absurdas, Hoppers se siente más cercana a películas de estudios competidores como Sony Pictures, DreamWorks o Illumination (aunque ciertamente mejor que cualquier cosa del estudio de Minions).

Y en su mayor parte funciona: Hoppers es la película más divertida de Pixar en mucho tiempo, e incluso se atreve a jugar un poco más con la animación para conseguir efectos cómicos y estilísticos. El coste de ello es que carece de la delicadeza de otras películas de Pixar. Más concretamente, el crecimiento y la evolución de Mabel como personaje son un poco contradictorios y el guion a veces da la sensación de estar improvisando sobre la marcha sin saber realmente hacia dónde quiere llegar. En otras palabras, lo que la hace tan especial (lo extraña y única que se siente) también le impide alcanzar mayores cotas.

Hoppers no es una obra maestra de Pixar, pero es una de las películas más frescas del estudio, y me atrevo a decir que acabará siendo una de las películas más memorables del Pixar moderno. Es divertida, muy entretenida, te sorprende a cada paso, y aunque a veces parezca una mezcla de ideas sin filtro sin conseguir que todas cuajen, es sin duda dulce y nos deja muy buen sabor de boca.

Reseña de El engaño, con la estrella de The Boys

peter@gamereactor.es (Peter Westberg) — Tue, 03 Mar 2026 12:00:00 +0100

A veces nos encontramos con sorpresas. No había leído nada sobre The Bluff (El engaño en España) de antemano, pero me topé con ella por casualidad mientras hojeaba las noticias de cine en Internet, como de costumbre, el día antes de su estreno en Prime. La era del streaming nos tiene muy mimados, para bien o para mal. Es estresante intentar estar al día de todo lo que se estrena, y a veces echo de menos los viejos tiempos. Ya sabes, cuando se estrenaba un episodio a la semana. Cuando una temporada de Expediente X terminaba con "Continuará..." y te tocaba esperar una eternidad para la siguiente. O cuando las películas se proyectaban en los cines durante más de dos meses y a veces podía pasar casi un año entre su estreno en cines y su lanzamiento en VHS (¡VHS! El predecesor del DVD, el Blu-ray y la digitalización. Madre mía).

Bueno, vamos a dejarlo ya. Volviendo al tema, El engaño me sorprendió gratamente. Hacía mucho tiempo que no me embarcaba en una aventura pirata, y hasta que no empezó la película no me di cuenta de lo mucho que echaba de menos pasar el rato en el Caribe entre mosquetes, viejos barbudos y gruñones y mares agitados. Y el reparto también es excelente. Tenemos a Priyanka Chopra Jones (Jefes de Estado) en el papel protagonista como Ercell, la mujer del pescador, con un pasado que esperaba mantener enterrado en la arena. También a Karl Urban (The Boys, etc., no necesita ni presentación) interpretando a Connor, el barbudo y vengativo capitán que desembarca en Caimán Brac con sed de oro y violencia. Y, por si fuera poco, a Temuera Morrison (el mismísimo Boba Fett) haciendo de la mano derecha de Connor.

Esta aventura comienza de forma muy prometedora. Tiene estilo, es tensa y las actuaciones son sólidas. No se nos ofrecen muchos momentos tranquilos y la sangre empieza a salpicar enseguida. Es una película violenta, muy violenta, y eso la hace muy entretenida. Algunas veces parece que se esfuerzan demasiado, quizá para enmascarar otros defectos, pero bueno. La tensión es constante, y la evolución de Ercell, que pasa de ser una simple mujer de un pescador de vida apacible a desatar su leona interior con una enorme capacidad para la violencia, es entretenida, aunque algo simplona. Y todo el largometraje va en la misma línea. Dura poco más de 100 minutos, lo cual es una pena.

Habría estado bien que construyese una trama más detallada: más desarrollo de personajes, más giros y cambios de rumbo... Da la sensación de ser una obra apresurada, y se acaba antes de lograr arrancar del todo. A veces, parece un piloto extenso de una nueva serie de televisión, y eso termina jugando en su contra. Porque sí, hay muchas cosas que funcionan y son agradables, pero ojalá me diera una razón para que me gustara más de lo que al final me permite. Y es que detrás del ritmo, los cambios de diálogo, los secretos y todas las muertes creativas y sangrientas, encontramos un cofre del tesoro que está medio vacío.

Pero claro, para entretenerte un rato, en una época en la que las plataformas de streaming nos bombardean con más y más producciones, sigue funcionando muy bien. Prepara unas palomitas, sírvete un vaso de ron caribeño (¡o de refresco!) y dale al play. No te aburrirás...

Scrubs Reinicio (Episodios 1 y 2)

fredrik@gamereactor.es (Fredrik Malmquist) — Sat, 28 Feb 2026 16:00:00 +0100

Parece casi irreal que Scrubs vuelva después de 16 años, y probablemente sea fácil para muchos descartarlo como nostalgia cínica. Afortunadamente, este suave reinicio está hecho con calidez, humor y nostalgia en la sangre. Los dos primeros episodios siguen el mismo estilo encantador que me hizo amar la serie desde que estaba en secundaria hasta que terminó hace casi dos décadas. J.D., Turk y Elliot están de vuelta en el Hospital del Sagrado Corazón como si el tiempo se hubiera detenido. La dinámica del grupo principal sigue siendo el núcleo de la serie: los chistes son perfectos, y el bromance entre J.D. y Turk es tan fuerte como siempre (¿o...?). Los dos primeros episodios consiguen mantener el equilibrio entre el humor absurdo y los momentos más emotivos, tal y como recordamos en Scrubs.

Las voces en off clásicas de la serie, las ensoñaciones locas y la comedia a veces absurda nos resultan familiares y reconfortantes. Al mismo tiempo, esto es precisamente lo que hace que se parezca DEMASIADO al original. Scrubs corre el riesgo de buscar a tientas su lugar en 2026 en lugar de ser nueva y fresca. Aún no he decidido cómo me siento al respecto. Me encanta que hayan vuelto tantos actores. Con Zach Braff, Donald Faison, Sarah Chalke y John C. McGinley de vuelta en sus papeles, el regreso parece auténtico y bien pensado, y no un mero viaje nostálgico. La serie revisa a los personajes de una forma que les permite haber crecido y cambiado a lo largo de dieciséis años, lo que resulta seguro y nuevo a la vez. Vemos cómo les ha cambiado la vida y cómo se relaciona la antigua pandilla con el Sagrado Corazón de hoy.

Quizá lo más sorprendente sea lo bien que la serie se atreve a dejar que sus personajes lleven las marcas del tiempo. Hay un cansancio en ciertas miradas, una madurez en los conflictos y un peso diferente en las decisiones que reflejan que ya no estamos al principio de nuestras vidas, ni como espectadores ni como médicos de un hospital ficticio. Mientras que en la serie original se trataba a menudo de encontrarse a uno mismo en el caos, ahora parece más bien que nos enfrentamos a las consecuencias de en quién se ha convertido nuestro reparto. Es un cambio temático que, si se le da espacio para desarrollarse, podría dar al reinicio su propia identidad. Para confirmar aún más que el agua ha corrido bajo el puente, es importante que nuestros favoritos tengan que enfrentarse a nuevas caras y estudiantes de medicina. Algunos de ellos son divertidos y prometedores, mientras que otros parecen actualmente más rellenos que voces independientes en el elenco. Aquí es donde la temporada llega a su fin; puede que se vean eclipsados por los gigantes de la serie. Dentro de unas semanas o unos meses, ¿quizás seamos investidos?

Al mismo tiempo, está claro que la serie es consciente de su propia historia. Hay guiños a viejos gags, pequeños metacomentarios y una autodistanciación que resulta casi impresionante. No cabe duda de que el equipo de producción es consciente de que a veces es "un poco loca", pero así es como ha sido siempre Scrubs: loca pero con corazón. La cuestión no es sólo si Scrubs vuelve a funcionar, sino si lo necesitamos de nuevo. En un mundo televisivo dominado por la oscuridad, el prestigio y el cinismo, hay algo liberador en volver a una serie que se atreve a ser tonta, sentimental y honesta al mismo tiempo. Scrubs justifica su regreso por ser a la vez un homenaje al original y un paso hacia un nuevo territorio. Será emocionante ver si los creadores de la serie consiguen hacernos sentir que el formato sigue siendo relevante hoy en día sin perder todo lo que hizo que la serie de TV fuera querida en primer lugar. Se trata de un regreso genuinamente entretenido que me alegra el corazón y me hace sonreír.

Ya hemos visto Scream 7 y esto es lo que nos ha parecido

peter@gamereactor.es (Peter Westberg) — Thu, 26 Feb 2026 15:00:00 +0100

La primera película de Scream, de 1996, alcanzó rápidamente el estatus de culto y cambió algo en el género slasher. La leyenda del cine de terror Wes Craven dirigió las cuatro primeras películas de la serie, pero falleció en 2015, dejando tras de sí un legado considerable del que hacerse cargo. El reinicio de la serie en forma de quinta entrega, acertadamente llamada Scream en lugar de Scream 5, se estrenó en 2022. Me encanta el terror, pero nunca he sido un gran fan ni de la serie ni de las películas slasher en general, ya que nunca me han parecido especialmente emocionantes. No tienen suficiente suspense ni incomodidad, y dependen demasiado de los sustos baratos. Vi el reboot, dirigido por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, en el cine, donde no me impresionó demasiado. Se centraba demasiado en el humor, que a menudo caía en saco roto. Al año siguiente se estrenó Scream VI, dirigida por el mismo dúo, y me gustó mucho más. El humor estaba mejor equilibrado, algunos giros eran realmente prometedores y contenía más suspense que antes.

Ahora ha llegado el momento de que Ghostface vuelva en Scream 7, y esta vez Kevin Williamson está en la silla del director, una buena elección, teniendo en cuenta que Williamson coescribió todas las películas anteriores. Todo empieza con una escena en Macher House, la icónica casa donde tiene lugar el clímax de la primera película, y ahora transformada en un museo/centro de experiencias donde puedes pasar la noche para vivir una experiencia "Puñalada". Todo el mundo sabe cómo acabará esta introducción. Sidney Prescott ha construido una nueva vida en una nueva ciudad, donde está casada con el sheriff del pueblo y su relación con su hija mayor, Tatum, es tensa.

"Puta maternidad", así resume Sidney la situación tras una pelea. Por supuesto, no pasa mucho tiempo antes de que Ghostface haga su entrada y comience la caza, en la que se nos ofrece el mismo tipo de galería de personajes que de costumbre, con charlas sobre las "reglas" de las películas de Puñalada y teorías sobre quién es -o quiénes son- los asesinos. Es trepidante, elegante y a veces bastante entretenida, pero muy aguada, ya que no hay verdaderas sorpresas. Scream lleva mucho tiempo pareciendo el tipo de serie de películas que puede resumirse como "vista una, vistas todas", aunque la sexta entrega intentó abrir nuevos caminos, lo que me pareció un poco refrescante, aunque las opiniones difieren sobre el éxito que tuvo.

Tricky, este muchacho no cede.

Si eres un gran fan de la serie, sin duda hay mucho que disfrutar, pero es poco probable que encandile a las personas que (como yo) no están totalmente convencidas del concepto. Los asesinatos son similares, con algunas excepciones, y se hace el mismo uso de los jump scares para crear atmósfera e incomodidad. Además, sigue siendo fascinante cómo los asesinos se vuelven en cierto modo invencibles (no invencibles como Michael Myers, pero sí) en cuanto se ponen las máscaras y las capas.

En resumen, vuelve a estar bastante trillada, y me provoca algún suspiro de desesperación en más de una ocasión. No hay suficientes sorpresas, nada destaca realmente, se reutilizan demasiadas cosas, y la actuación puede describirse como acartonada. Pero sigue siendo bastante entretenida y hay algunas escenas que son deliciosas de ver. Así pues, una película llena de situaciones complicadas. ¿Quizá, sólo quizá, sea hora de dejar descansar un poco la máscara de Ghostface?

Esto es lo que nos ha parecido la segunda temporada de Monarch: El legado de los monstruos

ben@gamereactor.es (Ben Lyons) — Tue, 24 Feb 2026 15:00:00 +0100

Teniendo en cuenta la naturaleza ostentosa y grandiosa de los proyectos teatrales del "Monstruoverso", respeto Monarch: El legado de los monstruos, por tener una premisa más humana y a menor escala, centrándose en una colección de personajes principales y utilizando a los Titanes como llamativos decorados y menos como protagonistas principales de una historia más amplia. Hay sitio para los monstruos menos taquilleros que normalmente se enfrentan a Godzilla y Kong, y también hay sitio para las historias más personales que ponen de relieve el lugar de la humanidad en un mundo de amenazas titánicas. Teniendo esto en cuenta, Monarch siempre ha estado más cerca del Godzilla de 2014 que de las muchas películas del "Monstruoverso" que le han seguido, y ésta es quizá la razón clave por la que me entusiasmó el regreso de la serie de Apple TV.

Después de ver la Temporada 2 al completo, hay algunos aspectos muy admirables que llaman la atención. Para empezar, a diferencia de algunos spin-offs de series de TV, Monarch no intenta engañarte ofreciéndote una aventura más barata y menos premium, el tipo de proyecto que se siente menor cuando se compara con las películas de la gran pantalla. Al igual que ocurre con la gama de Apple TV, mantiene la calidad en estilo y aspecto de Godzilla x Kong: El Nuevo Imperio, lo que incluye los asombrosos efectos especiales de Titán, la naturaleza trotamundos de la serie y el sólido reparto encabezado por Kurt y Wyatt Russell.

Además, a diferencia de las películas taquilleras que a menudo se parecen a las últimas películas de Transformers de Michael Bay, al dar prioridad al estilo sobre la sustancia, Monarch: El Legado de los Monstruos tiene tiempo más que suficiente para contar una historia convincente y algo confusa a lo largo de sus diez episodios. Sí, aquí no hay precipitación, ni derroche de emoción y montaje, pero se podría argumentar que una duración tan larga permite caer en la trampa de lo enrevesado y lo abiertamente expuesto. En su mayor parte, no lo parece, ya que más bien recibimos explicaciones muy significativas sobre el lore del MonsterVerse, pero hay momentos en los que desearías que las cosas se apresuraran un poco o se cortaran por completo. El baile en torno a la dilatación temporal y los viajes en el tiempo es uno de esos aspectos que parece ir demasiado lejos para esta temporada, y del mismo modo el enfoque inherente en los problemas de los padres es un problema que lleva a que algunos personajes resulten sencillamente agotadores...

Sí, los problemas con los padres parecen definir este proyecto del Monstruoverso. Lo que quiero decir con esto es que la 2ª temporada explora más a fondo la dinámica entre Cate, de Anna Sawai, y Kentaro, de Ren Watanabe, y cómo los hermanastros viven en compañía de su padre, a menudo ausente, Hiroshi, de Takehiro Hira. Estos son probablemente suficientes problemas paternos para una temporada de una serie, pero luego añadimos también los retos paterno-filiales entre el Lee Shaw de Wyatt Russell y su padre, comandante del ejército de EE.UU., y cómo Hiroshi se adapta a un mundo en el que su madre perdida hace tiempo, la Keiko de Mari Yamamoto, regresa tras permanecer atrapada en Axis Mundi durante unas cinco décadas. Cuando todo el reparto principal se comporta como niños a causa de las relaciones con sus padres a lo largo de la temporada, la base emocional de sus razonamientos empieza a ser frustrante de seguir.

Es una pena que esta temporada tenga momentos que te saquen de quicio, momentos que te hagan querer adelantar 30 segundos para pasar de los intercambios cansinos y sarcásticos, ya que más allá de éstos encontramos una serie que sigue siendo entretenida y es quizá el mejor y más consistente proyecto del "Monstruoverso" hasta la fecha. No es una oportunidad friki, casi infantil, para que un simio gigante y un lagarto radiactivo luchen contra un robot de 50 metros, no se inclina por las partes más escandalosas de la configuración de su universo mostrando cómo a Kong le quitan y le ponen los dientes podridos. Puede que algunos acudan a los proyectos del "Monstruoverso" en busca de esos hilos narrativos, pero no se puede sustentar todo un universo cinematográfico sólo en el fanservice, y es por eso por lo que Monarch sigue teniendo éxito, y quizá sea el pilar más importante del universo más amplio.

Pero, de nuevo, estamos hablando del "Monstruoverso", y aunque he llegado a apreciar su acción y montaje casi tontos, no se puede negar que las películas de este mundo a menudo dejan mucho que desear. Así que, aunque me mantendré firme y diré que Monarch es quizá lo mejor que este mundo puede ofrecer en este momento, en el gran esquema de las cosas, estamos hablando de una serie que es simplemente un buen entretenimiento. No es televisión imperdible, no es insultantemente pobre, simplemente está bien y no hay nada malo en que una serie sea así.

No te pierdas nuestra crítica de Exit 8, la película basada en uno de los indie más populares de los últimos años

magnus@gamereactor.es (Magnus Groth-Andersen) — Thu, 19 Feb 2026 12:00:00 +0100

Si me conoces, sabrás que me encantan las películas de terror y, en cierta medida, también los juegos de terror. Debido a este doble amor por el género probé The Exit 8 en sus inicios, sobre todo porque este escenario específico atraía a la parte de mi cerebro que jugaba a P.T. de Kojima una y otra vez y lloraba la pérdida del juego que podría haber sido.

Si no estás familiarizado con The Exit 8, la premisa es sencilla: una persona toma el metro, como cualquier otro día, pero en lugar de que la ruta tradicional de bajar y subir termine en una escalera, da... vueltas. De repente, estás atrapado, dando vueltas una y otra vez, y no sólo eso; en cierto modo, no estás solo en estas paredes subterráneas blancas.

Aquí encontramos a nuestro protagonista, "El Hombre Perdido", intentando frenéticamente mantener la calma mientras se desarrolla esta experiencia claramente paranormal, pero al mismo tiempo, al igual que un jugador en la versión interactiva, se trata de mantener la calma, ser pragmático y consecuente con la tarea que te espera, pintada directamente en la entrada de cada bucle. Se trata de detectar irregularidades y, si encuentras una, dar marcha atrás. Si no, sigue recto.

Es un juego de niños, si eres capaz de detectarlos, y la película presenta esta dualidad entre realizar esta tarea de un modo relativamente calmado, en consonancia con nuestro protagonista cada vez más estresado, y al mismo tiempo preguntarse y asustarse de que esto esté... bueno, ocurriendo.

El director y guionista Genki Kawamura quería claramente dejar que los objetivos interactivos y estructurales del juego fueran el nervio narrativo de la película, y en lugar de dar a esta enigmática pero convincente premisa un poco de contexto, se centra totalmente en la premisa única y directa del juego de, lo has adivinado, "detectar irregularidades, y si las encuentras"... ya me entiendes.

Es un poco un arma de doble filo, porque aunque The Exit 8 no da especialmente miedo (tampoco el juego), te quedas con la sensación de que podría haber sido más eficaz si se hubiera atrevido a arriesgarse un poco con su material de origen. Quizá un poco de sombra por aquí, un par de ojos fijos por allá, un poco más de suspense entre esos recorridos sistemáticos por el pasillo blanco del metro.

Pero, al mismo tiempo, hay que reconocerle a Kawamura el mérito de ser fiel y confiar ciegamente en que la innovadora premisa y el perfil estético y el lenguaje de diseño de la única localización se bastan por sí solos, y así es. La película está bien interpretada, sólidamente construida y coreografiada y, como probablemente puedas intuir, no hay ni un gramo de más que recortar. Esto es cine minimalista, aunque pueda resultar un poco aburrido en algunos momentos.

Sin embargo, The Exit 8 sigue la estela de otras muy buenas adaptaciones cinematográficas de juegos que no sólo respetan el material de origen, sino que confían directamente en que éste por sí solo puede ganarse al espectador. Está muy bien, aunque me hubiera gustado que se atreviera a ser un poco más que eso.

No te pierdas nuestra crítica de "Los Hermanos Demolición", una película que funciona, pero es poco memorable

fredrik@gamereactor.es (Fredrik Malmquist) — Wed, 18 Feb 2026 14:00:00 +0100

¿Os acordáis de los años 90, cuando íbamos a los videoclubs y encontrábamos películas de las que nunca habíamos oído hablar? Muchas veces, la portada era más atractiva que el contenido, y acabábamos llevándonos a casa lo que resultaba ser una inversión cuestionable, tanto de tiempo como de dinero. Para mí, un ejemplo clásico de esto es La última patrulla, de Dolph Lundgren, que por desgracia se las arregló para llegar al reproductor VHS de mi familia. Hoy en día, llegan directamente a los servicios de streaming en vez de a las cintas, pero el sentimiento que dejan es el mismo. Los hermanos demolición, de Amazon Prime, es justo ese tipo de película: una mezcla de Cop, con la ley o sin ella y Arma letal, pero un poco peor montada y con una ejecución con menos confianza.

Los hermanastros Hale se han distanciado y ya casi no tienen relación. Tras la misteriosa muerte de su padre, se ven obligados a encontrarse en Hawaii. Enseguida queda claro que deben trabajar juntos, a pesar de los conflictos y problemas del pasado, pues es obvio que la muerte de su padre no ha sido un accidente. La premisa ya está muy vista, y la obra no hace ningún gran intento de ofrecer algo sorprendente, sino que se apoya en la seguridad de las ya conocidas relaciones de colegas entre policías.

James Hale, interpretado por Dave Bautista, es comandante de los Navy Seals, una unidad de élite estadounidense, y destaca por su disciplina. Por otro lado, Jonny Hale, interpretado por Jason Momoa, es todo lo contrario: un policía problemático apartado temporalmente de su empleo al que, además, el amor de su vida acaba de abandonar. La dinámica debería centrarse en su incapacidad total para trabajar juntos, pero también en su darse cuenta de que son los únicos capaces de entender que alguien quiere hacer daño a su familia. El problema es que los conflictos resultan más esquemáticos que auténticos.

La historia es directa y predecible, a veces hasta el punto de que es posible adivinar lo próximo que van a decir, antes de que lo hagan. Bautista y Momoa interpretan bien a sus personajes, y parecen disfrutar de sus papeles de vez en cuando, pero les falta algo de química. Parecen más dos estrellas de cine compartiendo la pantalla que un dúo dinámico apoyándose mutuamente. En papeles secundarios encontramos a Temuera Morrison y al actor danés Claes Bang, entre otros. A Morrison parece que solo le interesa quitarse sus escenas de encima, mientras que Bang, al menos, da la sensación de estar divirtiéndose interpretando al villano y trae algo de energía cuando aparece en pantalla.

Su director, Angel Manuel Soto, que ha realizado trabajos previos como Blue Beetle y La granja, hace lo que puede con el guión de Jonathan Tropper. Sin embargo, parece que lo que hace despegar a la película son la cinematografía de Matt Flanery y el carisma natural de Momoa. Los hermanos demolición es una buena obra en general, a veces te hace reír y nunca se hace insoportable, pero no tiene nada de memorable. En general, la impresión que deja es bastante tibia. Cuando salen los créditos finales, da toda la sensación de ser un título de plataforma de streaming más que pronto quedará en el olvido.

Hemos vuelto a Silent Hill pero no como nos hubiera gustado... No te pierdas nuestra reseña de "Return To Silent Hill"

marcus@gamereactor.es (Marcus Persson) — Tue, 17 Feb 2026 14:00:00 +0100

Silent Hill 2 se considera con razón una de las obras maestras absolutas del género de terror, un juego que no sólo asusta, sino que también estremece, cuestiona y persiste mucho después de que hayan pasado los créditos. Es un "tour de force" narrativo centrado en la culpa, el dolor y la abnegación, en el que la mecánica del juego está subordinada a la historia y no al revés.

En comparación con los juegos, sobre todo con los tres primeros, que son obras maestras atemporales, las adaptaciones cinematográficas parecen un poco banales que simplifican todo lo que representa Silent Hill. La magia simplemente no está ahí, y el terror sigue siendo bastante superficial, aunque la primera película parecía comprender la importancia de la atmósfera y el ambiente.

Está claro que resulta tentador detenerse en las comparaciones con los juegos, y con Return to Silent Hill aún había alguna esperanza de que Christophe Gans aprovechara las lecciones aprendidas con la primera película y nos diera a los fans la adaptación que todos habíamos soñado y esperado. Terror psicológico matizado, crudo y escalofriante.

Las escenas recuerdan a menudo a un pobre cosplay.

Por desgracia, eso es exactamente lo que no es Return to Silent Hill. Una película que no sólo es un fracaso monumental en la mayoría de los niveles, sino que de alguna manera se las arregla para ser incluso peor que la ya trágicamente horrible Silent Hill Revelation con su risible 3D. Se trata, sin exagerar, de la peor película del año hasta la fecha, un epíteto que, por desgracia, creo que le acompañará durante todo el año 2026.

Donde Silent Hill 2 era innovador, Return es más bien risible. Donde el juego asustaba y trastornaba, Retorno consigue, como mucho, provocarte un dolor de cabeza crónico y náuseas intensas. Es profundamente frustrante, porque las condiciones estaban dadas, al menos sobre el papel. Al fin y al cabo, la obra maestra del Team Silent fue innovadora por su historia y por cómo el juego abordaba el terror de una forma que no se había experimentado antes en el medio.

Pero Gahns se las arregla para estropearlo todo, y tras una torpe introducción en la que James Sunderland conoce a Mary Crane en una carretera a las afueras de Silent Hill, la película salta unos años hacia delante. Mary desaparece de repente, y James está destrozado emocionalmente. Una noche más tarde, aparece una misteriosa carta, y no, no es una invitación a Hogwarts, sino una invitación para que James visite el pueblo abandonado, que ciertamente tiene muy buen aspecto -con todos los monstruos retorcidos y atormentados-, pero donde todo parece en su mayor parte una fachada barata.

Pequeñas criaturas "asquerosas" que enseñan los dientes y gruñen.

James deambula y conoce a Angela, Eddie, Laura y, por supuesto, a Pyramid Head, sin que nada le deje una impresión duradera ni le plantee preguntas. Cosas espeluznantes que hacen "buu" en la oscuridad, con efectos de sonido a todo volumen. Porque así es como debe ser, aparentemente.

Cuanto más se alarga la película, más se convierte en una colección de secuencias vagamente conectadas. Los acontecimientos y las localizaciones del juego se repiten servilmente como una lista de viñetas, carentes por completo de peso emocional o lógica narrativa. Cansadas postales que no consiguen enganchar lo más mínimo, y cuando por fin aparecen los créditos, es difícil no querer derrumbarse de decepción absoluta.

Lo triste es que hay destellos ocasionales de luz aquí y allá. Polillas azules revoloteando alrededor de maniquíes, las sombras de la linterna de James proyectando sombras ominosas a lo largo de pasillos oscuros, y algunas criaturas que consiguen ser realmente desagradables. Éstos son los momentos que recuerdas, pero muy poco de la historia que Gahns intenta presentar.

El resultado es un conjunto no sólo muy plástico y artificial, sino también casi completamente desprovisto de todo lo que pertenece a Silent Hill 2. Gahns parece haber malinterpretado por completo el material original, y la base emocional brilla por su ausencia. En su lugar, el vacío se llena con sustos baratos y un CGI cuestionable. Como adaptación de una de las obras más aclamadas del mundo de los videojuegos, Return to Silent Hill es una total y completa decepción: carente por completo de sustancia y tan ruidosa como notablemente carente de vida.

La película de "Cumbres Borrascosas" no nos ha gustado, te contamos los motivos

emily-maisy@gamereactor.es (Emily-Maisy Milburn) — Mon, 16 Feb 2026 14:05:00 +0100

Como ávida entusiasta de la literatura, me alegré mucho cuando me enteré de que se estaba preparando una adaptación de "Cumbres Borrascosas" (Wuthering Heights)... hasta que descubrí que era de Emerald Fennel. Después de Saltburn, ya no sabía cuántos acentos norteños terribles, diálogos deleznables y montajes exageradamente chocantes podía soportar. Por desgracia, "Cumbres Borrascosas" cumplió todo lo anterior, aunque de una forma visualmente más agradable que su predecesora.

Ambientada en los brumosos páramos de Yorkshire, la historia sigue a la familia Earnshaw y la llegada de Heathcliff, un muchacho traído de Liverpool para ser mantenido como "mascota" de la familia. Se desata el caos cuando Heathcliff (Jacob Elordi) se enamora de la rica hija Catherine Earnshaw (Margot Robbie).

Algo en lo que Fennell siempre acierta es en la estética y la paleta general de sus películas, y "Cumbres borrascosas" no fue diferente. Era deliciosa, un festín para los ojos y me cautivó. Una escena en particular, en la que Cathy encuentra a su padre borracho, el Sr. Earnshaw (Martin Clune), fallecido por su alcoholismo, rodeado de multitud de botellas verdes de gran tamaño apiladas, estaba especialmente bien producida. La estilizada apertura de la película y los magníficos títulos de crédito, junto con los segmentos hablados de Charlie XCX y John Cale en House, marcan el tono de la película: erótico, emocionante y dramático.

Por desgracia, esos fueron los únicos aspectos positivos que me llevé de "Cumbres Borrascosas". El reparto fue muy desafortunado y ver a Elordi intentar desesperadamente poner acento de Yorkshire mientras balaba las palabras "¡Cath! Cath!" me sacó directamente de las escenas. La banda sonora en sí era especialmente incongruente y provocaba una sensación parecida a ver un vídeo musical de Charlie XCX de una hora de duración. La trama se desviaba mucho de la historia original, casi tanto que ni siquiera creía estar viendo "Cumbres Borrascosas".

Las cuestiones de raza y violencia se omitieron y las escenas de maltrato doméstico se sustituyeron por descarados juegos de dominación al estilo BDSM entre Heathcliffe e Isabella (Alison Oliver), y la clase social y el ciclo de violencia familiar se sustituyeron por dedos en gelatina de pescado, yemas de huevo arremolinadas seductoramente y hierba metida en la boca.

En general, Fennel no dio en el clavo con esta adaptación y eso quedó patente en los encuentros con la prensa y en las entrevistas en las que explica que no podía adaptar un libro tan "complejo y denso" como "Cumbres Borrascosas". Mi pregunta es, ¿por qué hacerlo entonces? Creo que todos sabemos por qué.

Crítica de Como cabras (Goat)

javier@gamereactor.es (Javier Escribano) — Wed, 11 Feb 2026 14:00:00 +0100

La última película de animación de Sony, que utiliza un estilo similar al visto en las películas de Spider-Man y Las Guerreras K-pop, da vida a la expresión 'Goat', o Greatest of All Time, en una historia sobre una cabra que sueña con convertirse en jugador de baloncesto. Sin estar directamente afiliada a la NBA (producida y con voz de Stephen Curry en la VO, suplantado por el ex-NBA Juancho Hernangómez en España), es sin embargo el equivalente de la película F1 para los aficionados al baloncesto, pero especialmente dirigida a un público más joven que también sueña con convertirse en grandes estrellas del baloncesto en el futuro (o lo que sea que sueñen)... y está más acostumbrado al estilo visual y narrativo hiperactivo y sobreestimulante de la generación TikTok, con constantes gags visuales que salen de la pantalla, ruidos estridentes y gritos.

El guión básicamente se escribe solo: un niño sueña con convertirse en una estrella del baloncesto después de ver un partido con su madre, que le insta a soñar a lo grande. Cuando crece, ganándose la vida a duras penas, se da cuenta de que cumplir los sueños no es tan fácil como parece, sobre todo con factores que escapan a nuestro control... como el hecho de que él es una cabra, y en este universo todas las estrellas del baloncesto son animales grandes: rinocerontes, búfalos, jirafas, osos, pumas...

Finalmente, surge una oportunidad para la joven cabra, al que pone voz Caleb McLaughlin, de Stranger Things, en la versión original (Álex González en el doblaje español), demuestre su valía. La historia se desarrolla de la forma más predecible, con algunos puntos argumentales forzados y sin mucha profundidad para ninguno de los personajes secundarios, pero algo que el guión realmente clava es mostrar el poder que tienen los deportes no sólo en quienes los practican (el trabajo en equipo, el lograr los propios objetivos y todo eso), sino también los efectos de los deportes a nivel colectivo. Las comunidades que se construyen en torno a un equipo local, la unidad y el sentimiento de pertenencia a una identidad compartida, los vínculos que se crean entre los aficionados que permanecen unidos independientemente de los resultados deportivos, y cómo a veces lo único que necesitamos para superar nuestros obstáculos es el apoyo de los demás.

Visualmente, la película es asombrosa, como ya esperábamos de Sony Pictures Imageworks. Presenta el mismo estilo de mezclar animación en 3D con una sensación tradicional en 2D, pero lo bueno es que no parece una copia de Spider-Man, Los tipos malos o Las guerreras K-pop, sino que se sostiene por sí misma: es un poco menos plana y más suave que otras películas similares, que a veces parecen demasiado estilizadas para su propio bien y resultan agotadoras de ver.

Los diseños también son excelentes. Hemos tenido demasiadas ciudades modernas, futuristas y prístinas pobladas de animales antropomórficos, y a veces es difícil diferenciar Los tipos malos de Zootrópolis. En cambio, las ciudades con aspecto humano de Como cabras están completamente devoradas por la naturaleza y la vegetación por todas partes, casi parecen ciudades abandonadas, postapocalípticas... pero tiene sentido, porque al fin y al cabo son animales.

En particular, los partidos de baloncesto son brutales: por suerte, la película no está directamente afiliada a la NBA, así que tienen más libertad para volverse locos con canchas de fantasía que encajarían perfectamente en un juego de baloncesto de Mario (no hemos tenido ninguno de esos en unos cuantos años, ¿qué pasa, Nintendo?), con canchas llenas de enredaderas, hielo derritiéndose y ríos de lava.

La única (pero notable) mancha en el fantástico diseño visual es el atroz product placement de una marca de coches que prefiero no decir, con primeros planos de coches fotorrealistas que quedan completamente fuera de lugar... y, por supuesto, al ser una película de Sony, hay consolas PlayStation 5 (modelo Slim) por todas partes.

En general, Como cabras no es una película revolucionaria ni mucho menos, y está lejos de las películas más audaces e ingeniosas de Sony Animation. Pero es un relato sólido y estilísticamente muy original de una historia clásica del "underdog", que se ha contado cientos de veces, exactamente el tipo de narración que adoran todos los aficionados al deporte, y el tipo de historia que nos inspira. Además, la película sabiamente pone el foco en el poder que tiene el deporte en una comunidad local: más que un equipo al que apoyar, una familia a la que pertenecer.

Habría sido brillante si ese aspecto se hubiera explorado con un poco más de profundidad, en lugar de precipitar un giro argumental muy poco desarrollado en el tercer acto, que además resulta algo incongruente. Pero Como cabras sigue siendo siempre entretenida, encantadora, divertida (aunque quizá un poco cansina con la acumulación de gags y referencias Gen Alpha), y visualmente preciosa. El público más joven, especialmente los aficionados al baloncesto, probablemente saldrán del cine asombrados e inspirados, y eso es lo más importante para una película como ésta.

Reseña de la segunda temporada completa de Fallout en Amazon Prime Video

alberto@gamereactor.es (Alberto Garrido) — Wed, 04 Feb 2026 13:30:26 +0100

Justo en este momento, cuando los compases de 'This is Worth Fighting For' de The Ink Spots dan paso a los créditos técnicos en el episodio final de esta segunda tanda de Fallout, es cuando más consciente soy de lo afortunados que somos, como fans de los videojuegos de Black Isle, Obsidian (que aquí aportó la mayor parte) y Bethesda, pero también exigentes con una adaptación a televisión, del enorme trabajo que ha supuesto esta segunda temporada. Hoy, 4 de febrero, ha culminado la trama en New Vegas, y el octavo episodio ha sido un cierre excelente que consuma una de las mejores ficciones que podemos encontrar en streaming ahora mismo.

Voy a ir paso a paso porque hay mucho de lo que hablar, de mucha gente y mucho terreno que cubrir. La segunda temporada retoma el punto donde lo dejamos en el epílogo de la anterior, con el Ghoul/necrófago de Walton Goggins y con Lucy (Ella Purnell) siguiendo el rastro de Hank McLean en dirección a (New) Las Vegas. Desde esa primera escena, cargada de referencias al mundo que Obsidian Entertaiment añadió a la franquicia de Bethesda, vemos como la relación entre Lucy y el Ghoul se ha hecho más estrecha, y esto es solo un primer acercamiento a una construcción paralela de los personajes en la que ambos se "contaminan" de la personalidad del otro, como unos postapocalípticos Quijote y Sancho, dotando de nuevas capas más maduras a la ingenua y joven moradora Lucy, y devolviendo parte de esa humanidad perdida al necrófago, que por primera vez en 200 años se siente realmente cerca de cumplir el objetivo que lo ha mantenido vivo: Encontrar a su familia. Si cuando hice la reseña de la primera temporada pedía el Emmy para Walton Goggins, aquí lo vuelvo a gritar, pero solo si comparte candidatura y premio con su compañera Ella Purnell, que aquí ha sobrepasado con mucho su actuación anterior y rebosa carisma.

Quien quizá se sigue quedando algo por detrás es Aaron Moten con su ahora nombrado Caballero de la Hermandad del Acero Maximus. No es que interprete mal su papel, pero el registro de Moten es más limitado, y además la trama de la facción de la Hermandad y su lucha interna es menos brillante que el resto de tramas abiertas. Eso sí, las mejores escenas de acción de la Temporada 2 llevan su sello, y el combate en el Strip de Las Vegas es de los mejores momentos de la serie hasta ahora, que se siente aquí "puro Fallout". Unas escenas que no dudo que habrán disparado el presupuesto, pero que cumplen a lo grande con su función, sin que se abuse o se echen en falta, como quizá si pasó en la primera temporada.

Kilter Films y Amazon han escuchado también las voces de los fans de los videojuegos y han introducido con elegancia muchas más referencias al material original que en la primera, que apostó más por colocar pequeños guiños en segundo plano que por darle protagonismo a sus pequeñas historias. Pero esas historias son las que hacían creíbles en los juegos este mundo postapocalíptico, y aquí vemos, bien recortadas y equilibradas, tanto a la RNC (república de Nueva California) como a la Legión de César, donde el rostro de la barbarie lo pone un correcto Macaulay Culkin. Ahora estas referencias parecen funcionar incluso mejor con los que solo conocen el universo de Fallout por esta serie televisiva, lo que añade un nuevo logro a la lista.

La producción también sabe aportar con maestría su granito de arena al lore general de la franquicia, profundizando en Vault-Tec, en los experimentos tras el holocausto nuclear y en las siniestras motivaciones de quien orquestó el fin del mundo. Este punto sin duda sorprenderá a telespectadores y jugadores, porque los showrunners han sabido jugar con maestría sus cartas para sorprender a todos. Hank McLean gana más peso ahora en la construcción del puzle general de la historia, y desdibuja (o quizá oculta mejor) su papel de villano, delegando ese honor en otras figuras menos claras. Además, aquí la historia del pasado, que entrelaza los destinos de Hank, Cooper, Barbara, Robert House y demás, goza ahora de una tensión como sustento mucho más sólido que en la primera, donde solo hacía de intro/teaser.Además, como extra, se genera una lectura todavía más profunda e inquietante, con un montón de tonalidades grises, quizá porque nuestra realidad presente parece que se inspira en la ficción más inverosímil.

Fallout Temporada 2 no ha trasladado toda su historia al Yermo del Mojave, sino que ha expandido su trama hacia él. Tanto las historias como los personajes que quedaron junto a lo que una vez fue el muelle de Santa Monica en los Refugios 31-32-33 todavía sigue allí, y aunque ahora las vidas de los Moradores y sus tribulaciones han pasado a un segundo plano, nos sirven para conectar los puntos con el pasado de antes de la guerra. En concreto, la que se lleva la palma en cada escena es la perturbadora supervisora del Refugio 32, Steph, que prácticamente ha mantenido esa parte de la narrativa sobre sus hombros y su poderosa actuación. El hermano de Lucy, Norm, también forma ese otro hilo conductor de la historia desde el pasado hasta el presente, mostrándolo como un superviviente nato que, a pesar de sus carencias, se sobrepone a los acontecimientos, por imposible que parezca.

Por si todavía tenías dudas o estabas esperando a que estuvieran todos los episodios disponibles (el formato de estreno semanal parece haberle pasado factura con la audiencia hasta el momento) Fallout Temporada 2 merece rotundamente un visionado. Ha cuidado y mantenido fresco su mundo en ruinas y ha sabido enriquecer a sus personajes y tramas todavía más, equilibrando a sus habitantes y añadiendo más acción, más guiños y más empaque a la ficción. Y por favor, no dejéis de ver la escena postcréditos, porque si dan luz verde a la Tercera Temporada, la apuesta parece que va a subir todavía más. Y como hemos escuchado tantas veces, "la casa siempre gana".